giovedì 20 maggio
h 8.00 pm
BRIT POP ART 1985 – 2010
Quando è uscito “Country House” Damon Albarn aveva circa la stessa mia età in questo momento, e io esattamente la metà dei suoi anni. Ancora non sapevo che l'arte sarebbe stata la mia strada: per me, è venuta prima la musica, il Brit Pop. Erano gli anni '90, quelli del New Labour e della Young British Art; gli anni in cui il Regno Unito viveva una nuova esperienza sinestetica, un deja-vu di quella che trent'anni prima era stata la “Swingin' London”, un'unità di intenti tra forze intellettuali che cercano legittimazione nelle diverse classi sociali del paese. Inevitabilmente, arte e musica ricominciarono a viaggiare unite. Non più solo copertine e foto su giornali scandalistici però, il terreno fertile per la nuova contaminazione, ora, è quello del videoclip: arte e musica possono ormai entrare nelle case di ogni abitante del pianeta grazie alla televisione. Dalle prime sofisticate sperimentazioni di Derek Jarman, che con Smiths e Suede chiude gli anni Ottanta per inaugurare il decennio successivo, alla rivincita del POP della YBA, che sfonda il muro del nuovo millennio, fino alla ricerca attuale di artisti come Matthew Stone, erede dei “giovani” degli anni Novanta ma con un occhio fisso sul Caravaggio, tanto caro al mercuriale Jarman; non senza un omaggio un Old Master come L.S. Lowry, e uno sconfinamento dallo schermo alla galleria stessa, in un cerchio i cui capi tendono – come in un paradosso di Zenone – ad avvicinarsi sempre di più senza mai tuttavia riuscire a congiungersiQuando è uscito “Country House” Damon Albarn aveva circa la stessa mia età in questo momento, e io esattamente la metà dei suoi anni. Ancora non sapevo che l'arte sarebbe stata la mia strada: per me, è venuta prima la musica, il Brit Pop. Erano gli anni '90, quelli del New Labour e della Young British Art; gli anni in cui il Regno Unito viveva una nuova esperienza sinestetica, un deja-vu di quella che trent'anni prima era stata la “Swingin' London”, un'unità di intenti tra forze intellettuali che cercano legittimazione nelle diverse classi sociali del paese. Inevitabilmente, arte e musica ricominciarono a viaggiare unite. Non più solo copertine e foto su giornali scandalistici però, il terreno fertile per la nuova contaminazione, ora, è quello del videoclip: arte e musica possono ormai entrare nelle case di ogni abitante del pianeta grazie alla televisione. Dalle prime sofisticate sperimentazioni di Derek Jarman, che con Smiths e Suede chiude gli anni Ottanta per inaugurare il decennio successivo, alla rivincita del POP della YBA, che sfonda il muro del nuovo millennio, fino alla ricerca attuale di artisti come Matthew Stone, erede dei “giovani” degli anni Novanta ma con un occhio fisso sul Caravaggio, tanto caro al mercuriale Jarman; non senza un omaggio un Old Master come L.S. Lowry, e uno sconfinamento dallo schermo alla galleria stessa, in un cerchio i cui capi tendono – come in un paradosso di Zenone – ad avvicinarsi sempre di più senza mai tuttavia riuscire a congiungersi
Video listing:
"Three Songs by The Smiths", regia di Derek Jarman, 1986
Suede "So young", regia di Derek Jarman, 1993
Blur "Country House", regia di Damien Hirst, 1995
Pulp "Help the Aged", Art Director John Currin, 1997
Blur "Good Song", animazione di David Shrigley, 2003
Franz Ferdinand "Do you want to?", 2005
Babyshambles "The Blinding", 2006
Oasis "The Masterplan", 2006
The Peth "Let's go fucking mental", regia di Jake Chapman, 2008
Spiritualized "You Lie You Cheat", regia di Jake Chapman, 2008
The Hours "See the Light", Art Director Damien Hirst, 2009
P.J. Harvey & John Parish "Black Hearted Love", regia di Jake&Dino Chapman, 2009
These New Puritans "Attack Music", regia di Matthew Stone, 2010
martedì 1 giugno 2010
Playlist a cura di Valentina Tanni
giovedì 29 aprile
h 8.00 pm
Surreel
"Al mondo succedono le cose più incredibili. Talvolta manca persino la minima ombra di verosimiglianza." (Nikolaj Gogol', Il Naso, 1832)
La travagliata storia d'amore tra un cane e un gatto, ambientata in futuro lontano e raccontata in 23 brevissimi episodi. Una famiglia alle prese con le gioie e i dolori della sinestesia, tra cibi da ascoltare, libri da mangiare, scintille e cortocircuiti. Un orco verde e tridimensionale che prende un rasoio e coverizza Buñuel, sotto lo stesso chiaro di luna. Creature fantastiche e divinità dei boschi viaggiano tra terra e acqua, alle prese con strani pesci di cartapesta. Zio Jesse sotterra dinamite mentre scorrono liquidi verde acido e una creatura aliena si nasconde dietro le siepi. Un uomo in frac con un grande casco luminescente balla il tip tap in un museo deserto.
Un viaggio attraverso le caleidoscopiche declinazioni del surreale. Sogni, visioni, realtà parallele e mondi possibili.
David O'Reilly, Please Say Something, 2009, 10 min. Courtesy David O'Reilly.
Terry Timely, Synesthesia, 2009, 4 min. Courtesy Terry Timely.
Ciprian Muresan, Un chien andalou, 2004, 0.52 min. Courtesy Ciprian Muresan / Prometeogallery, Milano.
Tobias Stretch, Weird Fishes, 2008, 6 min. Music by Radiohead. Courtesy Tobias Stretch.
Invernomuto, B.O.B – Chapter One, Two and Three, 2010, 2,32 min. Voice over: John Duncan. Courtesy Invernomuto / Galleria Patricia Armocida, Milano.
Boris Achour, Conatus: La nuit du danseur, 2009, 4,10 min. Courtesy Boris Achour / Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois.
h 8.00 pm
Surreel
"Al mondo succedono le cose più incredibili. Talvolta manca persino la minima ombra di verosimiglianza." (Nikolaj Gogol', Il Naso, 1832)
La travagliata storia d'amore tra un cane e un gatto, ambientata in futuro lontano e raccontata in 23 brevissimi episodi. Una famiglia alle prese con le gioie e i dolori della sinestesia, tra cibi da ascoltare, libri da mangiare, scintille e cortocircuiti. Un orco verde e tridimensionale che prende un rasoio e coverizza Buñuel, sotto lo stesso chiaro di luna. Creature fantastiche e divinità dei boschi viaggiano tra terra e acqua, alle prese con strani pesci di cartapesta. Zio Jesse sotterra dinamite mentre scorrono liquidi verde acido e una creatura aliena si nasconde dietro le siepi. Un uomo in frac con un grande casco luminescente balla il tip tap in un museo deserto.
Un viaggio attraverso le caleidoscopiche declinazioni del surreale. Sogni, visioni, realtà parallele e mondi possibili.
David O'Reilly, Please Say Something, 2009, 10 min. Courtesy David O'Reilly.
Terry Timely, Synesthesia, 2009, 4 min. Courtesy Terry Timely.
Ciprian Muresan, Un chien andalou, 2004, 0.52 min. Courtesy Ciprian Muresan / Prometeogallery, Milano.
Tobias Stretch, Weird Fishes, 2008, 6 min. Music by Radiohead. Courtesy Tobias Stretch.
Invernomuto, B.O.B – Chapter One, Two and Three, 2010, 2,32 min. Voice over: John Duncan. Courtesy Invernomuto / Galleria Patricia Armocida, Milano.
Boris Achour, Conatus: La nuit du danseur, 2009, 4,10 min. Courtesy Boris Achour / Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois.
giovedì 22 aprile 2010
Playlist a cura di Lorenzo Bruni
giovedì 22 aprile
ore 8.00 pm
Rumore bianco
Tra le molte etichette che a livello mediatico sono state usate per descrivere le nuove generazioni dalla fine degli anni Ottanta ad oggi quella che ritorna più frequentemente è la 'mtv generation'. In effetti la novità di fruire, e ultimamente gestire e distribuire, immagini in movimento che testimoniano un evento particolare è molto forte sulla percezione della nostra realtà. Questa riflessione apre ulteriori questioni se pensiamo che l’evento in questione è quello della performance musicale e del concerto. Lo stabilire una relazione particolare e non solo soggettiva/immaginativa tra suono e immagine (immagini delle copertine dei dischi e le sequenze dei videoclip e dei video dei live concert poi) come un'unica esperienza pur essendo due dimensioni parallele ha permesso, di pari passo alle novità tecnologiche, di effettuare una grande sperimentazione che si è dovuta con il tempo sempre più confrontare con la grande capacità del pubblico di reagire quasi in presa diretta. La playlist a cura di Lorenzo Bruni vuol suggerire differenti strade con cui indagare e riflettere su questa relazione tra suono e immagine e di conseguenza tra individuo e pubblico, tra azione e sua documentazione e nuova lettura. Per questo motivo saranno presenti tre postazioni che presenteranno una serie di videoclip in un computer, la proiezione in loop di una playlist commissionata appositamente a Wolfgang Berkowski e una riflessione di Lorenzo Bruni sui sette video di altrettanti artisti contemporanei.
Playlist commissionata da Lorenzo Bruni a Wolfgang Berkowski: Cindy Smith, 'The Governess', 2005; Victoria Fu, 'Selfportrait', 2007; Slater Bradley, 'Intermission', 2005; Wolfgang Berkowski, 'Veduta (0:0)', 2007; Francis Ford Coppola, 'La Conversazione' (estratto), 1974; Lina Wertmüller,'I Basilischi' (estratti), 1963. Questi video propongono un momento di rottura nella associazione oramai accettata come identità abituale fra immagine e suono e sul portare alle estreme conseguenze l’interpretazione oggettiva di un fatto, di un gesto con cui poter ricostruire una realtà perduta.
I video che giovedì saranno presentati da Lorenzo Bruni in relazione alla scelta di Wolfgang Berkowski: Joanna Billing, 'Magical World', 2001; Michael Fliri, 'I saw the light', 2008; Marinella Senatore, 'All the things I need', 2006; Robert Pettena, 'Bag Pipe', 2003; Manon De Boer, 'Presto, perfect sound' 2006; Vasco Araujo, 'The girl of golden west', 2004; Paolo Parisi, 'Il problema della condivisione dello spazio disponibile in architettura e rispetto al colore della pittura ... e il pulviscolo atmosferico (Sinfonia)', Firenze, Chiostro dello Scalzo, mercoledì 3 febbraio 2010. Il centro di queste opere è il dare corpo e forma all’esperienza immateriale della musica e soprattutto riflettere sul rapporto tra contesto, istante temporale, esecutore e spettatore. Per questo i video sono accomunanti dal tentativo da parte degli artisti di creare le condizioni per abbattere la distanza tra spettatore, autore ed esecutore permettendo di conseguenza di riflettere sul ruolo dell’artista e società in cui agisce.
ore 8.00 pm
Rumore bianco
Tra le molte etichette che a livello mediatico sono state usate per descrivere le nuove generazioni dalla fine degli anni Ottanta ad oggi quella che ritorna più frequentemente è la 'mtv generation'. In effetti la novità di fruire, e ultimamente gestire e distribuire, immagini in movimento che testimoniano un evento particolare è molto forte sulla percezione della nostra realtà. Questa riflessione apre ulteriori questioni se pensiamo che l’evento in questione è quello della performance musicale e del concerto. Lo stabilire una relazione particolare e non solo soggettiva/immaginativa tra suono e immagine (immagini delle copertine dei dischi e le sequenze dei videoclip e dei video dei live concert poi) come un'unica esperienza pur essendo due dimensioni parallele ha permesso, di pari passo alle novità tecnologiche, di effettuare una grande sperimentazione che si è dovuta con il tempo sempre più confrontare con la grande capacità del pubblico di reagire quasi in presa diretta. La playlist a cura di Lorenzo Bruni vuol suggerire differenti strade con cui indagare e riflettere su questa relazione tra suono e immagine e di conseguenza tra individuo e pubblico, tra azione e sua documentazione e nuova lettura. Per questo motivo saranno presenti tre postazioni che presenteranno una serie di videoclip in un computer, la proiezione in loop di una playlist commissionata appositamente a Wolfgang Berkowski e una riflessione di Lorenzo Bruni sui sette video di altrettanti artisti contemporanei.
Playlist commissionata da Lorenzo Bruni a Wolfgang Berkowski: Cindy Smith, 'The Governess', 2005; Victoria Fu, 'Selfportrait', 2007; Slater Bradley, 'Intermission', 2005; Wolfgang Berkowski, 'Veduta (0:0)', 2007; Francis Ford Coppola, 'La Conversazione' (estratto), 1974; Lina Wertmüller,'I Basilischi' (estratti), 1963. Questi video propongono un momento di rottura nella associazione oramai accettata come identità abituale fra immagine e suono e sul portare alle estreme conseguenze l’interpretazione oggettiva di un fatto, di un gesto con cui poter ricostruire una realtà perduta.
I video che giovedì saranno presentati da Lorenzo Bruni in relazione alla scelta di Wolfgang Berkowski: Joanna Billing, 'Magical World', 2001; Michael Fliri, 'I saw the light', 2008; Marinella Senatore, 'All the things I need', 2006; Robert Pettena, 'Bag Pipe', 2003; Manon De Boer, 'Presto, perfect sound' 2006; Vasco Araujo, 'The girl of golden west', 2004; Paolo Parisi, 'Il problema della condivisione dello spazio disponibile in architettura e rispetto al colore della pittura ... e il pulviscolo atmosferico (Sinfonia)', Firenze, Chiostro dello Scalzo, mercoledì 3 febbraio 2010. Il centro di queste opere è il dare corpo e forma all’esperienza immateriale della musica e soprattutto riflettere sul rapporto tra contesto, istante temporale, esecutore e spettatore. Per questo i video sono accomunanti dal tentativo da parte degli artisti di creare le condizioni per abbattere la distanza tra spettatore, autore ed esecutore permettendo di conseguenza di riflettere sul ruolo dell’artista e società in cui agisce.
Playlist a cura di Cecilia Canziani
marted' 20 aprile
ore 8.00 pm
Una macchina da presa interroga il paesaggio: è il piano sequenza con cui si apre Notte e nebbia. Questo documentario che Sigfried Kracauer annoverava tra i film che pur non potendo impedire il ripetersi degli eventi, ne redimono la memoria, introduce i temi che la mia selezione affronta: a cosa affidiamo la memoria, o meglio, che cosa assolve, oggi, alla funzione di monumento? Come interroghiamo la storia? In che modo il paesaggio ne restituisce l’impronta? Come impediamo che il trascorrere del tempo cancelli la traccia di quanto è occorso? Una volta affidavamo al memoriale, alla statua commemorativa, il compito di testimoniare la realtà. Oggi mi sembra che il documentario – forse proprio perché ha nello svolgersi del tempo la sua specificità – possa meglio interpretarne la funzione. Sono appunti da verificare, e riflessioni ad alta voce, che questa selezione, come è nella natura degli archivi, non intende aprire, ma dischiudere attraverso l’incontro tra lo sguardo di chi ha scelto questi film, e quello di chi li vedrà, martedì.
Cecilia Canziani
Alain Resnais, Notte e nebbia, Francia 1956 (estratti)
Deimantas Narkevicius, The Role of a Lifetime, Lituania 2003
Pier Paolo Pasolini, Comizi d’amore, Italia 1965 (estratti)
Milo Adami e Luca Scivoletto, A nord est, Italia 2010
ore 8.00 pm
Una macchina da presa interroga il paesaggio: è il piano sequenza con cui si apre Notte e nebbia. Questo documentario che Sigfried Kracauer annoverava tra i film che pur non potendo impedire il ripetersi degli eventi, ne redimono la memoria, introduce i temi che la mia selezione affronta: a cosa affidiamo la memoria, o meglio, che cosa assolve, oggi, alla funzione di monumento? Come interroghiamo la storia? In che modo il paesaggio ne restituisce l’impronta? Come impediamo che il trascorrere del tempo cancelli la traccia di quanto è occorso? Una volta affidavamo al memoriale, alla statua commemorativa, il compito di testimoniare la realtà. Oggi mi sembra che il documentario – forse proprio perché ha nello svolgersi del tempo la sua specificità – possa meglio interpretarne la funzione. Sono appunti da verificare, e riflessioni ad alta voce, che questa selezione, come è nella natura degli archivi, non intende aprire, ma dischiudere attraverso l’incontro tra lo sguardo di chi ha scelto questi film, e quello di chi li vedrà, martedì.
Cecilia Canziani
Alain Resnais, Notte e nebbia, Francia 1956 (estratti)
Deimantas Narkevicius, The Role of a Lifetime, Lituania 2003
Pier Paolo Pasolini, Comizi d’amore, Italia 1965 (estratti)
Milo Adami e Luca Scivoletto, A nord est, Italia 2010
venerdì 2 aprile 2010
Playlist a cura di Harpa Projects
Flashing Bulbs
25 marzo 2010
ore 7.30 pm
Flashing Bulbs vuole essere un esercizio sul concetto di cultura popolare, intesa non solo nella sua versione “consumistica” e mediatica, di derivazione 60s, postmoderna (fatta di elettrodomestici, programmi televisivi e scatole di surgelati), ma in un'accezione più ampia, che associa il nuovo Pop alle tradizioni popolari e a forme culturali nazionali e locali. In questo senso il manifesto dell’Avantpop, redatto da Mark Amerika, può rivelarsi utile, mostrando l’evolversi del postmoderno verso un atteggiamento in qualche modo più ponderato verso il pop (ossia da “children of mass media”, né totalmente critici, né totalmente passivi) e soprattutto nel suo mescolare materiali provenienti dai mass media facendo uso di tecniche sperimentali o avanguardistiche (come ad esempio, nella nostra sequenza, George Barber con il suo cut up di found footage). Abbiamo cercato di includere diversi aspetti e filoni della cultura popolare: dalla fantascienza (Mark Aerial Waller) alla pubblicità /cinema di serie B (George Barber), dal concetto stesso di celebrità e popolarità (come nel caso di “Bronson” film diretto da Nicolas Winding Refn), a quello dell’ adolescenza, con i suoi miti e il suo oscillare tra underground e mainstream (Andrea Dojmi), dall'entertainment ( qui rappresentato da uno dei più corrosivi comici americani, Bill Hicks), alla nostalgia per l'iconografia popolare di una nazione (Alice Randall). Pratiche e fenomeni così disparati sono tuttavia accomunati - in questa sequenza che mette insieme video d’artista e spezzoni di film e spettacoli - anche da una certa sensibilità nostalgica ed ironica.
Video selezionati:
George Barber, Losing Faith, 2008; Andrea Dojmi, Alan walks to a RED point, 2007; Bill Hicks, Sane Man, 1989; Alice Randall, See England First, 2004; Mark Aerial Waller, Superpower Dakar Chapter, 2004; Nicolas Winding Refn, Bronson, 2009
Harpa projects è: Gabriella Arrigoni e Michela Gulia.
25 marzo 2010
ore 7.30 pm
Flashing Bulbs vuole essere un esercizio sul concetto di cultura popolare, intesa non solo nella sua versione “consumistica” e mediatica, di derivazione 60s, postmoderna (fatta di elettrodomestici, programmi televisivi e scatole di surgelati), ma in un'accezione più ampia, che associa il nuovo Pop alle tradizioni popolari e a forme culturali nazionali e locali. In questo senso il manifesto dell’Avantpop, redatto da Mark Amerika, può rivelarsi utile, mostrando l’evolversi del postmoderno verso un atteggiamento in qualche modo più ponderato verso il pop (ossia da “children of mass media”, né totalmente critici, né totalmente passivi) e soprattutto nel suo mescolare materiali provenienti dai mass media facendo uso di tecniche sperimentali o avanguardistiche (come ad esempio, nella nostra sequenza, George Barber con il suo cut up di found footage). Abbiamo cercato di includere diversi aspetti e filoni della cultura popolare: dalla fantascienza (Mark Aerial Waller) alla pubblicità /cinema di serie B (George Barber), dal concetto stesso di celebrità e popolarità (come nel caso di “Bronson” film diretto da Nicolas Winding Refn), a quello dell’ adolescenza, con i suoi miti e il suo oscillare tra underground e mainstream (Andrea Dojmi), dall'entertainment ( qui rappresentato da uno dei più corrosivi comici americani, Bill Hicks), alla nostalgia per l'iconografia popolare di una nazione (Alice Randall). Pratiche e fenomeni così disparati sono tuttavia accomunati - in questa sequenza che mette insieme video d’artista e spezzoni di film e spettacoli - anche da una certa sensibilità nostalgica ed ironica.
Video selezionati:
George Barber, Losing Faith, 2008; Andrea Dojmi, Alan walks to a RED point, 2007; Bill Hicks, Sane Man, 1989; Alice Randall, See England First, 2004; Mark Aerial Waller, Superpower Dakar Chapter, 2004; Nicolas Winding Refn, Bronson, 2009
Harpa projects è: Gabriella Arrigoni e Michela Gulia.
Playlist a cura di Viana Conti
18 marzo 2010
ore 7.30 pm
Jeff Talman (1954 Greensburg, Pennsylvania), video Mirror of the Moon/Specchio della Luna, 2008, durata 20’.
Artista e musicologo statunitense nato in Pennsylvania, Talman qui presenta un video strutturato sull’installazione video_sonoro_interattiva ideata per il Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova, nell’ambito dell’Edizione NIME (New Interfaces Musical Expression) 8 – 5/8 giugno 2008.
La sua metodologia operativa si esplica attraverso un work in progress che inizia con la scelta di uno spazio in condizioni di silenzio, se interno, o naturali, se esterno, quindi passa alla registrazione della risonanza delle frequenze, inerenti al luogo o alla materia della struttura che prende in esame, applicandovi un programma di analisi di sonogrammi ideato dal ricercatore svizzero Martin Hairer. È su questo versante che si colloca la videoinstallazione sonora Mirror of the Moon, visivamente strutturata su ventitre riprese dello specchio di mare antistante Villa Croce, poi spettrograficamente proiettate su un supporto cristallino bianco, di forma discoidale, dello stesso marmo del pavimento della sala in cui si mette in opera l’installazione. Successivamente, attraverso l’uso di filtri digitali, si ottengono le stesse frequenze dal suono del mare. Tali frequenze diventano il contenuto sonoro dell’installazione stessa, la voce delle onde del mare, del cui canto risuona l’intero spazio. In tal modo Talman restituisce al luogo la sua dimensione acustica, sensorialmente inudibile se non enfatizzata, arricchita inoltre del suono delle onde. Questa azione di sound_video_light_design trova e amplifica i punti di intersezione di onde sonore esterne e interne, di onde luminose e gravitazionali, espandendo il potenziale sensorialmente percettivo e spazialmente cognitivo dell’uomo. Immaginando, per fare un parallelo, la memoria come uno spazio vuoto da arredare di ricordi, con la reificazione della voce di un luogo Jeff Talman restituisce al contenitore la forma acustica del suo contenuto, ridefinendone così la proprietà e l’essenza estetica. (Viana Conti)
Alexander Hahn (1954, Rapperswil, Svizzera, vive tra Zurigo e New York), video Luminous Point, Guided Tour, 2006, durata 11’58”, Festival della Scienza, su selezione della Fondazione Bogliasco, con la Pro Helvetia - Fondazione svizzera per la Cultura e il Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, 2008, Genova
In Luminous Point – dichiara l’artista - emergono trasformazioni continue di immagini, a partire dalla struttura dei mezzi utilizzati, ma anche da uno stato della materia a un altro, dall’evidenza della rappresentazione al simbolo, fino al rimando psico-sensoriale, attivando così una lettura trasversale dei movimenti di ripresa della videocamera attraverso la dissolvenza dei passaggi sui punti di sutura…Le fonti ora sono sintetiche ora in presa diretta con la realtà. Ricorro anche a un elaboratore di algoritmi per grigliare spazio e visione.
Il linguaggio digitale di Alexander Hahn esprime il punto di sutura tra la ricerca artistica e quella scientifica, azzardando, attraverso spaesamenti temporali e spaziali, ipotesi, apparentemente fantascientifiche, che al contrario non cessano di innervare i loro terminali nel tessuto della mente, della psiche e del sistema neuronale dell’uomo, estendendone le capacità cognitive. Elaboratore attivo di dati e immagini, che l’ubiquità spaziale e temporale delle Reti gli propone senza soluzione di continuità, Hahn raccoglie la sfida di confrontare i termini di rappresentazione oggettiva del reale con quelli di una rappresentazione suggestiva del virtuale. Ibridando radicalmente paesaggi, figure, eventi, colti in tempo reale, con immagini, suoni, film, estratti dal flusso dei silenziosi canali elettronici, Hahn perviene paradossalmente alla creazione di un linguaggio di pura innovazione estetica, linguistica ed epistemologica. Nell’installazione interattiva Luminous Point la sfida percettiva verso lo spettatore comincia già a partire dalle prescrizioni impartite professionalmente dall’artista sulle dimensioni ottimali dello schermo e della sala in cui avrà luogo la proiezione virtuale, pur sapendo che, l’avvolgente tour all’interno dell’appartamento di Hahn in Ludlow Street a New York, è pura simulazione, accadendo nello spazio immateriale e interattivo di un computer, scorrendo lungo filamenti di interconnessione digitale. Questo è sufficiente per dire che quel luogo non esiste? Certamente no. Esiste l’appartamento reale come ne esiste la simulazione virtuale: si tratta di due diverse realtà che si interfacciano. A partire da uno spioncino, in una porta chiusa, si inizia la perlustrazione interattiva, invitati ad entrare in casa per scoprire, tramite un telecomando virtuale, soffitti affrescati, architetture firmate, arredi d’epoca, lo storico dirigibile Hindenburg, precipitato nel 1937 nella catastrofe di Lake Hurst, ma, all’improvviso, anche un lavandino bianco infestato da mosche, un ventilatore immobile, tra crepitìi, scricchiolìi, rumori sinistri di una porta che si chiude, di un interruttore che accende la luce, di un giornale sfogliato durante un viaggio in aeroplano. Presenze incongrue come tracce organiche di animali o insetti avvisano che i virus della vita reale hanno già fatto razza con i virus, non meno insidiosi, del mondo digitale. (Viana Conti)
Mauro Ghiglione (1959, Genova), Low Definition, durata 10’52”, video in loop
Si tratta di una videoproiezione animata di immagini che alternano i volti di trenta figure femminili a trenta date di calendario, scritte in rosso, che scandiscono fotograficamente il giorno più doloroso della propria vita. La richiesta fatta dall’artista ad ogni donna contattata, nella fase progettuale, non verteva sulla causa e sulla motivazione della ferita emotiva, ma unicamente sull’identificazione di giorno, mese, anno. I ritratti della sofferenza, che sfilano sullo schermo, non appartengono ai soggetti interpellati, ma a fotografie di fotografie reperite, nel tempo, sia dall’artista che dalle partecipanti all’opera. Lo scollamento tra volto e numeri drammatizza, nell’ipotesi dell’autore, l’inconciliabilità tra la vulnerabilità umana e la lapidarietà del codice numerico. Nel rapporto tra l’artista e l’alterità, l’individuo e la socialità, l’autenticità e le convenzioni, si formalizza l’interrogativo sulle radici del dolore e sulla permeabilità al sentire in un’era, tanto profondamente segnata dalla robotizzazione tecnologica, da connotarsi come post-human. Nella sua riflessione su una condizione del sentire, come rituale del già sentito, come impersonale ripetizione di un copione, il culto dilagante dell'immagine si delinea come una patologia collettiva, sempre più riferita all’apparenza e sempre meno al valore antropologico. Elemento fondamentale del video e del lavoro di Mauro Ghiglione è la bassa definizione delle immagini, metafora della bassa definizione dei sentimenti e della capacità percettiva del soggetto appartenente a una società dello spettacolo, in cui la realtà si trasforma incessantemente nel suo simulacro. Come il ritratto fotografico rappresenta, anche letteralmente, il ritrarsi del soggetto nell’immagine, rinviando alla sua assenza nel reale, così l’opera di questo artista non cessa di dare immagine e volume a figure emorragiche dell’identità e del sentimento, esasperandone la frizione con il reale. La frequentazione, cercata o indotta, di un’immagine luttuosa può produrre assuefazione, ma anche inadeguatezza al dolore – afferma l’artista - sottraendogli, nel tempo, autenticità. (Viana Conti)
Mauro Ghiglione (1959, Genova), Fog, durata 14’13”, videoproiezione.
La nebbia che dà il titolo al video, e che nel suo scorrimento non cessa di ombreggiare il volto del soggetto, è una metafora visiva dello sconfinamento del sogno nel reale. Reale qui rappresentato da solidi anamorfici ambigui, tanto da rinviare agli spazi impraticabili di Escher, tendenti a sdoppiarsi e triplicarsi, confrontando provocatoriamente i loro spigoli taglienti con la vulnerabile fragilità dell’essere. In una civiltà dell’immagine in cui l’identità ha perduto il suo valore sostanziale per divenire simulacro di superficie, il video formalizza la percezione che tra l’intensità emotiva della figura umana e l’asetticità dell’astrazione geometrica, non ci sia possibilità di interazione e scambio. Alla luce di questo radicale atteggiamento di rifiuto del mondo illusorio delle immagini per un recupero profondo di un sentire attraverso il cuore, nostro, vostro, suo, il ricorrente gesto di copertura del volto con le mani del protagonista, alter ego dell’artista, esprime la volontà di non adeguarsi alla bassa definizione dei parametri e degli stereotipi correnti, per privilegiare auspicabilmente un sentire interiore, individuale e collettivo. Il palesarsi di un ritratto, a volte in una deformazione baconiana, altre nel suo doppio, può anche ricondurre l’osservatore, associativamente, al HYPERLINK "http://it.wikipedia.org/wiki/Test_psicologico_proiettivo" \o "Test psicologico proiettivo" test psicologico proiettivo di Rorschach, finalizzato all’interpretazione, attraverso macchie d’inchiostro, della personalità di un individuo. Le immagini messe in circolo dalle reti telematiche non cesserebbero di attrarre, nella loro bidimensionalità, il volume del reale, che nel suo viaggio nel tempo e nello spazio entrerebbe nella dimensione ipercubica dell’immaginario, come si è rilevato nella recente mostra di Mauro Ghiglione con Franco Vaccari, intitolata Paso Doble, da me curata alla Galleria Michela Rizzo a Venezia. Prende evidenza, nella riflessione dell’artista, l’attrazione fatale tra i dispositivi umani del desiderio e il cinismo inumano del sistema consumistico occidentale. Sul terreno del pensare, del sentire, del comunicare, dell’attendere, Ghiglione trova consonanze con l’immaginario teatrale e letterario di Beckett, Borges, Camus, Joyce, Dick. Nel suo work in progress i dispositivi del desiderio, condizionati e interiorizzati, anche a livello subliminale, da norme sociali e da comportamenti diffusi, avrebbero perduto i loro colori vivi entrando in una zona grigia. (Viana Conti)
Roberto Doati (Genova, 1953) Le stelle suggeriscono nuove opportunità, durata 5’10”. Terzo testo per video e live electronics tratto da Sindrome scamosciata (2008-2009), composizione della durata complessiva di 21’24”. In questa serie, composta da quattro videocomposizioni intitolate Il transito ostile della luna, 5’10”, Potrete incappare in un contrattempo, 5’10”, Le stelle suggeriscono nuove opportunità, durata 5’10”, Vivrete una settimana all’insegna della stabilità, 5’54”, l’autore ha elaborato il materiale sonoro e visivo del film di Sidney Furie IPCRESS, acronimo di Induction of Psycho-neuroses by Conditioned Reflex under strESS. Ogni capitolo del libro di spionaggio di Len Deighton, da cui viene tratto il film, è intestato da una citazione astrologica, perciò il titolo di ciascuno dei brani che costituiscono la mia serie – annota l’autore - è ricavato dal mio oroscopo per il giorno in cui comincio a lavorare su quel brano. Nella prima videocomposizione dal titolo Il transito ostile della Luna, a intermittenza, si presenta un’immagine tanto incongrua quanto seducente, percepibile a livello subliminale. Nel film, Michael Caine impersona un agente segreto al servizio del governo inglese che, immobilizzato su una sedia, viene sottoposto a un lavaggio del cervello tramite l’ascolto di musica elettronica, a un volume pernicioso, e tramite la visione di figure sintetiche. La parte visiva del mio lavoro - dichiara Doati - prende formalmente avvio da quelle figure per poi divenire uno studio sulla permanenza mentale dell’immagine ed è realizzata coprendo con un cartone nero bucato lo schermo di un televisore acceso e lasciando che l’ampia apertura dell’obiettivo e i rapidi movimenti di camera nel buio registrino delle scie luminose. Dell’opera non esiste partitura scritta per il fatto che la serie viene eseguita dal vivo, cioè live electronics, e pertanto i sincroni o non sincroni con le immagini derivano in gran parte da una pratica improvvisativa. Il complesso dei sintomi che, metaforicamente, concorrono a caratterizzare il quadro visivo della sindrome, si avvale di incursioni a pioggia di tracce cromatiche, di elementi verticali, orizzontali, trasversali, coinvolti in moti rotatori, da sensazioni di perdita di orizzonte, stabilità, centralità, accompagnati acusticamente da gorgoglii, vibrati, frullati, staccati, effetti siderali e magnetici di segnali in lontananza. Roberto Doati esordisce, diciottenne, nell’improvvisazione libera, per poi passare al taglio e montaggio del nastro magnetico. Dopo aver frequentato un corso di Storia dell’Arte Contemporanea tenuto da Germano Celant diventa, dal 1974 al 1980, l’assistente di Ida Gianelli alla Samangallery, riferimento ineludibile del panorama internazionale di arti visive nella Genova degli anni Settanta. Si interessa altresì alla Gestalt, la scuola psicologica, sviluppatasi in Germania tra gli anni Dieci e gli anni Trenta, che maggiormente si impegna sul terreno della conoscenza dei dispositivi di percezione delle forme visive e uditive e delle strutture spaziali e temporali. Dedito alla sperimentazione dei linguaggi elettroacustici, sulla base di simmetrie, ripetizioni, velocità, direzioni, per poter anche lavorare al controllo gestuale sull’elettronica da parte dell’interprete, estende la sua ricerca alle tecnologie interattive, ricorrendo a processi cognitivi e di intelligenza emotiva come parametri compositivi. Un forte legame lo stringe alla città di Venezia, a cominciare dal suo primo riconoscimento internazionale (nel 1981, selezione Opera Prima per il Teatro La Fenice), e proseguendo con le due commissioni da parte della Biennale di Venezia: L’olio con cui si condiscono le parole, per voce ed elettronica (1995), Un avatar del diavolo, teatro musicale (2005). (Doati/Conti)
Giuliano Galletta (nato a Sanremo, 1955, vive a Genova) A Romance 1990-2009, video, 3’16”,
performer Simona Fasano, tecnico video Claudio Maccagno. Il video presenta la re-citazione di un momento espositivo del passato, del metascenario di spezzoni di un déjà vu, dando immagine a una visione retroversa dello stesso artista, rispecchiato nel doppio della modella, che ripete, nel 2009, quasi in trance, gli stessi gesti, familiari e inquietanti, da lui compiuti nella performance del 1990, a Genova, alle Arie del Tempo. Il titolo A Romance, connotato sentimentalmente, si contrappone al termine Novel, più narrativamente discorsivo. La presenza femminile non intende essere quella di un’attrice o ballerina che interpreta l’azione, ma quella attuale dell’alter ego dell’artista. Il divano consunto, la figura di coppia del pittore e la modella ritornano, come un refrain, nelle sue opere. La casa pericolosa è quella – dichiara nel sottotitolo – in cui sono ritornato. Ma in quale casa ritorna l’artista? Non certo quella che riveste lo stereotipo della dimora rassicurante, ma piuttosto la casa conflitto di tensioni e resistenze, in cui l’imprevisto è costantemente alle soglie, una casa come figura ossimorica: fatale materializzazione del perturbante. Il senso della routine della casalinghitudine, intriso di suspense, aleggia nella gestualità della performer che piega e dispiega, con ritrosia, le lenzuola, strofinandole con le mani, dopo avervi spremuto violentemente un tubetto di rosso, afferrato come un pugnale. L’elemento del sangue è un’evidente finzione, dal momento che si tratta di colore a tempera, ma non per questo, nel discorso dell’artista, meno inquietante. L’indizio delle lenzuola, non di rado presenti nelle sue videoinstallazioni, rimanda simultaneamente dal letto al lutto, dall’erotismo alla morte. Il ricorso alla canzone Amapola, indimenticabile colonna sonora del film C’era una volta in America di Sergio Leone, il cui testo iper-romantico è di Nana Mouskouri, funziona, nel contesto, come intenso, struggente, elemento straniante. Il dramma, sospeso sulla scena, accade come sottrazione di teatro, per presentarsi come situazione scenografica di oggetti concertatamente assonanti. Il suo ricorso alla fotografia, al testo, alla citazione, al video, non riveste un problema di linguaggio, ma investe la forma del documento, dell’objet trouvé, del materiale tratto indifferentemente da youtube o dalla strada. L’accento personale sottratto al linguaggio, viene conferito al montaggio, cui compete la drammatizzazione dell’elemento narrativo. È mettendosi in opera come filosofo del relitto, antropologo dell’aforisma, archeologo delle rovine domestiche, che Giuliano Galletta trova la sua modalità ideativa e creativa, non cessando, altrimenti detto, di effettuare prelievi dal caos dell’universo per riassemblarli come reperti: categoria a cui non esita di ascriversi. (Viana Conti)
ore 7.30 pm
Jeff Talman (1954 Greensburg, Pennsylvania), video Mirror of the Moon/Specchio della Luna, 2008, durata 20’.
Artista e musicologo statunitense nato in Pennsylvania, Talman qui presenta un video strutturato sull’installazione video_sonoro_interattiva ideata per il Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova, nell’ambito dell’Edizione NIME (New Interfaces Musical Expression) 8 – 5/8 giugno 2008.
La sua metodologia operativa si esplica attraverso un work in progress che inizia con la scelta di uno spazio in condizioni di silenzio, se interno, o naturali, se esterno, quindi passa alla registrazione della risonanza delle frequenze, inerenti al luogo o alla materia della struttura che prende in esame, applicandovi un programma di analisi di sonogrammi ideato dal ricercatore svizzero Martin Hairer. È su questo versante che si colloca la videoinstallazione sonora Mirror of the Moon, visivamente strutturata su ventitre riprese dello specchio di mare antistante Villa Croce, poi spettrograficamente proiettate su un supporto cristallino bianco, di forma discoidale, dello stesso marmo del pavimento della sala in cui si mette in opera l’installazione. Successivamente, attraverso l’uso di filtri digitali, si ottengono le stesse frequenze dal suono del mare. Tali frequenze diventano il contenuto sonoro dell’installazione stessa, la voce delle onde del mare, del cui canto risuona l’intero spazio. In tal modo Talman restituisce al luogo la sua dimensione acustica, sensorialmente inudibile se non enfatizzata, arricchita inoltre del suono delle onde. Questa azione di sound_video_light_design trova e amplifica i punti di intersezione di onde sonore esterne e interne, di onde luminose e gravitazionali, espandendo il potenziale sensorialmente percettivo e spazialmente cognitivo dell’uomo. Immaginando, per fare un parallelo, la memoria come uno spazio vuoto da arredare di ricordi, con la reificazione della voce di un luogo Jeff Talman restituisce al contenitore la forma acustica del suo contenuto, ridefinendone così la proprietà e l’essenza estetica. (Viana Conti)
Alexander Hahn (1954, Rapperswil, Svizzera, vive tra Zurigo e New York), video Luminous Point, Guided Tour, 2006, durata 11’58”, Festival della Scienza, su selezione della Fondazione Bogliasco, con la Pro Helvetia - Fondazione svizzera per la Cultura e il Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, 2008, Genova
In Luminous Point – dichiara l’artista - emergono trasformazioni continue di immagini, a partire dalla struttura dei mezzi utilizzati, ma anche da uno stato della materia a un altro, dall’evidenza della rappresentazione al simbolo, fino al rimando psico-sensoriale, attivando così una lettura trasversale dei movimenti di ripresa della videocamera attraverso la dissolvenza dei passaggi sui punti di sutura…Le fonti ora sono sintetiche ora in presa diretta con la realtà. Ricorro anche a un elaboratore di algoritmi per grigliare spazio e visione.
Il linguaggio digitale di Alexander Hahn esprime il punto di sutura tra la ricerca artistica e quella scientifica, azzardando, attraverso spaesamenti temporali e spaziali, ipotesi, apparentemente fantascientifiche, che al contrario non cessano di innervare i loro terminali nel tessuto della mente, della psiche e del sistema neuronale dell’uomo, estendendone le capacità cognitive. Elaboratore attivo di dati e immagini, che l’ubiquità spaziale e temporale delle Reti gli propone senza soluzione di continuità, Hahn raccoglie la sfida di confrontare i termini di rappresentazione oggettiva del reale con quelli di una rappresentazione suggestiva del virtuale. Ibridando radicalmente paesaggi, figure, eventi, colti in tempo reale, con immagini, suoni, film, estratti dal flusso dei silenziosi canali elettronici, Hahn perviene paradossalmente alla creazione di un linguaggio di pura innovazione estetica, linguistica ed epistemologica. Nell’installazione interattiva Luminous Point la sfida percettiva verso lo spettatore comincia già a partire dalle prescrizioni impartite professionalmente dall’artista sulle dimensioni ottimali dello schermo e della sala in cui avrà luogo la proiezione virtuale, pur sapendo che, l’avvolgente tour all’interno dell’appartamento di Hahn in Ludlow Street a New York, è pura simulazione, accadendo nello spazio immateriale e interattivo di un computer, scorrendo lungo filamenti di interconnessione digitale. Questo è sufficiente per dire che quel luogo non esiste? Certamente no. Esiste l’appartamento reale come ne esiste la simulazione virtuale: si tratta di due diverse realtà che si interfacciano. A partire da uno spioncino, in una porta chiusa, si inizia la perlustrazione interattiva, invitati ad entrare in casa per scoprire, tramite un telecomando virtuale, soffitti affrescati, architetture firmate, arredi d’epoca, lo storico dirigibile Hindenburg, precipitato nel 1937 nella catastrofe di Lake Hurst, ma, all’improvviso, anche un lavandino bianco infestato da mosche, un ventilatore immobile, tra crepitìi, scricchiolìi, rumori sinistri di una porta che si chiude, di un interruttore che accende la luce, di un giornale sfogliato durante un viaggio in aeroplano. Presenze incongrue come tracce organiche di animali o insetti avvisano che i virus della vita reale hanno già fatto razza con i virus, non meno insidiosi, del mondo digitale. (Viana Conti)
Mauro Ghiglione (1959, Genova), Low Definition, durata 10’52”, video in loop
Si tratta di una videoproiezione animata di immagini che alternano i volti di trenta figure femminili a trenta date di calendario, scritte in rosso, che scandiscono fotograficamente il giorno più doloroso della propria vita. La richiesta fatta dall’artista ad ogni donna contattata, nella fase progettuale, non verteva sulla causa e sulla motivazione della ferita emotiva, ma unicamente sull’identificazione di giorno, mese, anno. I ritratti della sofferenza, che sfilano sullo schermo, non appartengono ai soggetti interpellati, ma a fotografie di fotografie reperite, nel tempo, sia dall’artista che dalle partecipanti all’opera. Lo scollamento tra volto e numeri drammatizza, nell’ipotesi dell’autore, l’inconciliabilità tra la vulnerabilità umana e la lapidarietà del codice numerico. Nel rapporto tra l’artista e l’alterità, l’individuo e la socialità, l’autenticità e le convenzioni, si formalizza l’interrogativo sulle radici del dolore e sulla permeabilità al sentire in un’era, tanto profondamente segnata dalla robotizzazione tecnologica, da connotarsi come post-human. Nella sua riflessione su una condizione del sentire, come rituale del già sentito, come impersonale ripetizione di un copione, il culto dilagante dell'immagine si delinea come una patologia collettiva, sempre più riferita all’apparenza e sempre meno al valore antropologico. Elemento fondamentale del video e del lavoro di Mauro Ghiglione è la bassa definizione delle immagini, metafora della bassa definizione dei sentimenti e della capacità percettiva del soggetto appartenente a una società dello spettacolo, in cui la realtà si trasforma incessantemente nel suo simulacro. Come il ritratto fotografico rappresenta, anche letteralmente, il ritrarsi del soggetto nell’immagine, rinviando alla sua assenza nel reale, così l’opera di questo artista non cessa di dare immagine e volume a figure emorragiche dell’identità e del sentimento, esasperandone la frizione con il reale. La frequentazione, cercata o indotta, di un’immagine luttuosa può produrre assuefazione, ma anche inadeguatezza al dolore – afferma l’artista - sottraendogli, nel tempo, autenticità. (Viana Conti)
Mauro Ghiglione (1959, Genova), Fog, durata 14’13”, videoproiezione.
La nebbia che dà il titolo al video, e che nel suo scorrimento non cessa di ombreggiare il volto del soggetto, è una metafora visiva dello sconfinamento del sogno nel reale. Reale qui rappresentato da solidi anamorfici ambigui, tanto da rinviare agli spazi impraticabili di Escher, tendenti a sdoppiarsi e triplicarsi, confrontando provocatoriamente i loro spigoli taglienti con la vulnerabile fragilità dell’essere. In una civiltà dell’immagine in cui l’identità ha perduto il suo valore sostanziale per divenire simulacro di superficie, il video formalizza la percezione che tra l’intensità emotiva della figura umana e l’asetticità dell’astrazione geometrica, non ci sia possibilità di interazione e scambio. Alla luce di questo radicale atteggiamento di rifiuto del mondo illusorio delle immagini per un recupero profondo di un sentire attraverso il cuore, nostro, vostro, suo, il ricorrente gesto di copertura del volto con le mani del protagonista, alter ego dell’artista, esprime la volontà di non adeguarsi alla bassa definizione dei parametri e degli stereotipi correnti, per privilegiare auspicabilmente un sentire interiore, individuale e collettivo. Il palesarsi di un ritratto, a volte in una deformazione baconiana, altre nel suo doppio, può anche ricondurre l’osservatore, associativamente, al HYPERLINK "http://it.wikipedia.org/wiki/Test_psicologico_proiettivo" \o "Test psicologico proiettivo" test psicologico proiettivo di Rorschach, finalizzato all’interpretazione, attraverso macchie d’inchiostro, della personalità di un individuo. Le immagini messe in circolo dalle reti telematiche non cesserebbero di attrarre, nella loro bidimensionalità, il volume del reale, che nel suo viaggio nel tempo e nello spazio entrerebbe nella dimensione ipercubica dell’immaginario, come si è rilevato nella recente mostra di Mauro Ghiglione con Franco Vaccari, intitolata Paso Doble, da me curata alla Galleria Michela Rizzo a Venezia. Prende evidenza, nella riflessione dell’artista, l’attrazione fatale tra i dispositivi umani del desiderio e il cinismo inumano del sistema consumistico occidentale. Sul terreno del pensare, del sentire, del comunicare, dell’attendere, Ghiglione trova consonanze con l’immaginario teatrale e letterario di Beckett, Borges, Camus, Joyce, Dick. Nel suo work in progress i dispositivi del desiderio, condizionati e interiorizzati, anche a livello subliminale, da norme sociali e da comportamenti diffusi, avrebbero perduto i loro colori vivi entrando in una zona grigia. (Viana Conti)
Roberto Doati (Genova, 1953) Le stelle suggeriscono nuove opportunità, durata 5’10”. Terzo testo per video e live electronics tratto da Sindrome scamosciata (2008-2009), composizione della durata complessiva di 21’24”. In questa serie, composta da quattro videocomposizioni intitolate Il transito ostile della luna, 5’10”, Potrete incappare in un contrattempo, 5’10”, Le stelle suggeriscono nuove opportunità, durata 5’10”, Vivrete una settimana all’insegna della stabilità, 5’54”, l’autore ha elaborato il materiale sonoro e visivo del film di Sidney Furie IPCRESS, acronimo di Induction of Psycho-neuroses by Conditioned Reflex under strESS. Ogni capitolo del libro di spionaggio di Len Deighton, da cui viene tratto il film, è intestato da una citazione astrologica, perciò il titolo di ciascuno dei brani che costituiscono la mia serie – annota l’autore - è ricavato dal mio oroscopo per il giorno in cui comincio a lavorare su quel brano. Nella prima videocomposizione dal titolo Il transito ostile della Luna, a intermittenza, si presenta un’immagine tanto incongrua quanto seducente, percepibile a livello subliminale. Nel film, Michael Caine impersona un agente segreto al servizio del governo inglese che, immobilizzato su una sedia, viene sottoposto a un lavaggio del cervello tramite l’ascolto di musica elettronica, a un volume pernicioso, e tramite la visione di figure sintetiche. La parte visiva del mio lavoro - dichiara Doati - prende formalmente avvio da quelle figure per poi divenire uno studio sulla permanenza mentale dell’immagine ed è realizzata coprendo con un cartone nero bucato lo schermo di un televisore acceso e lasciando che l’ampia apertura dell’obiettivo e i rapidi movimenti di camera nel buio registrino delle scie luminose. Dell’opera non esiste partitura scritta per il fatto che la serie viene eseguita dal vivo, cioè live electronics, e pertanto i sincroni o non sincroni con le immagini derivano in gran parte da una pratica improvvisativa. Il complesso dei sintomi che, metaforicamente, concorrono a caratterizzare il quadro visivo della sindrome, si avvale di incursioni a pioggia di tracce cromatiche, di elementi verticali, orizzontali, trasversali, coinvolti in moti rotatori, da sensazioni di perdita di orizzonte, stabilità, centralità, accompagnati acusticamente da gorgoglii, vibrati, frullati, staccati, effetti siderali e magnetici di segnali in lontananza. Roberto Doati esordisce, diciottenne, nell’improvvisazione libera, per poi passare al taglio e montaggio del nastro magnetico. Dopo aver frequentato un corso di Storia dell’Arte Contemporanea tenuto da Germano Celant diventa, dal 1974 al 1980, l’assistente di Ida Gianelli alla Samangallery, riferimento ineludibile del panorama internazionale di arti visive nella Genova degli anni Settanta. Si interessa altresì alla Gestalt, la scuola psicologica, sviluppatasi in Germania tra gli anni Dieci e gli anni Trenta, che maggiormente si impegna sul terreno della conoscenza dei dispositivi di percezione delle forme visive e uditive e delle strutture spaziali e temporali. Dedito alla sperimentazione dei linguaggi elettroacustici, sulla base di simmetrie, ripetizioni, velocità, direzioni, per poter anche lavorare al controllo gestuale sull’elettronica da parte dell’interprete, estende la sua ricerca alle tecnologie interattive, ricorrendo a processi cognitivi e di intelligenza emotiva come parametri compositivi. Un forte legame lo stringe alla città di Venezia, a cominciare dal suo primo riconoscimento internazionale (nel 1981, selezione Opera Prima per il Teatro La Fenice), e proseguendo con le due commissioni da parte della Biennale di Venezia: L’olio con cui si condiscono le parole, per voce ed elettronica (1995), Un avatar del diavolo, teatro musicale (2005). (Doati/Conti)
Giuliano Galletta (nato a Sanremo, 1955, vive a Genova) A Romance 1990-2009, video, 3’16”,
performer Simona Fasano, tecnico video Claudio Maccagno. Il video presenta la re-citazione di un momento espositivo del passato, del metascenario di spezzoni di un déjà vu, dando immagine a una visione retroversa dello stesso artista, rispecchiato nel doppio della modella, che ripete, nel 2009, quasi in trance, gli stessi gesti, familiari e inquietanti, da lui compiuti nella performance del 1990, a Genova, alle Arie del Tempo. Il titolo A Romance, connotato sentimentalmente, si contrappone al termine Novel, più narrativamente discorsivo. La presenza femminile non intende essere quella di un’attrice o ballerina che interpreta l’azione, ma quella attuale dell’alter ego dell’artista. Il divano consunto, la figura di coppia del pittore e la modella ritornano, come un refrain, nelle sue opere. La casa pericolosa è quella – dichiara nel sottotitolo – in cui sono ritornato. Ma in quale casa ritorna l’artista? Non certo quella che riveste lo stereotipo della dimora rassicurante, ma piuttosto la casa conflitto di tensioni e resistenze, in cui l’imprevisto è costantemente alle soglie, una casa come figura ossimorica: fatale materializzazione del perturbante. Il senso della routine della casalinghitudine, intriso di suspense, aleggia nella gestualità della performer che piega e dispiega, con ritrosia, le lenzuola, strofinandole con le mani, dopo avervi spremuto violentemente un tubetto di rosso, afferrato come un pugnale. L’elemento del sangue è un’evidente finzione, dal momento che si tratta di colore a tempera, ma non per questo, nel discorso dell’artista, meno inquietante. L’indizio delle lenzuola, non di rado presenti nelle sue videoinstallazioni, rimanda simultaneamente dal letto al lutto, dall’erotismo alla morte. Il ricorso alla canzone Amapola, indimenticabile colonna sonora del film C’era una volta in America di Sergio Leone, il cui testo iper-romantico è di Nana Mouskouri, funziona, nel contesto, come intenso, struggente, elemento straniante. Il dramma, sospeso sulla scena, accade come sottrazione di teatro, per presentarsi come situazione scenografica di oggetti concertatamente assonanti. Il suo ricorso alla fotografia, al testo, alla citazione, al video, non riveste un problema di linguaggio, ma investe la forma del documento, dell’objet trouvé, del materiale tratto indifferentemente da youtube o dalla strada. L’accento personale sottratto al linguaggio, viene conferito al montaggio, cui compete la drammatizzazione dell’elemento narrativo. È mettendosi in opera come filosofo del relitto, antropologo dell’aforisma, archeologo delle rovine domestiche, che Giuliano Galletta trova la sua modalità ideativa e creativa, non cessando, altrimenti detto, di effettuare prelievi dal caos dell’universo per riassemblarli come reperti: categoria a cui non esita di ascriversi. (Viana Conti)
Playlist a cura di Elenora Farina
MĂRŢIŞOR ÎN ROMÂNIA
a cura di Eleonora Farina
11 marzo, 7.30 pm
video selezionati:
Călin Dan (Arad, 1955), Sample City, 2003, 11’32”
La mia Playlist inizia con il video Sample City di Călin Dan. Il protagonista, nonostante abbia una posizione china a causa del peso della porta che sorregge sulla schiena - come ci ricorda Herta Müller - mantiene sempre e comunque la fronte alta. Non sappiamo in realtà chi sia, ha un volto ma non un nome; e non ci è neanche dato sapere perché sta passeggiando in questa condizione. Ma la casa immaginaria che si porta sulle spalle attraversa con lui le strade di Bucarest, una città rasa al suolo più volte (prima dalla seconda guerra mondiale, poi dal terremoto del 1977 e infine da Nicolae Ceauşescu). Una capitale europea che conserva la sua identità e la sua anima grazie a questa stratificazione architettonica, e sociale. Forse è proprio la strada - a tratti non asfaltata - che si vede attraverso i buchi dell’autobus? Il video fa parte del progetto d’artista “Emotional Architecture”.
Vlad Nancă (Bucarest, 1979), Dacia – 30 Years of Social History, 2003, 4’44”
Ed ecco ripresa la città di Bucarest, con tutte le sue debolezze e bellezze, nel video Dacia – 30 Years of Social History del giovane Vlad Nancă. Una sequenza di immagini fotografiche, uno slide-show che, attraverso l’icona per eccellenza all’estero della Romania, la Dacia appunto, mostra l’immobilismo decennale insito nella dittatura comunista. E’ infatti proprio questa macchina l’oggetto che è rimasto sempre uguale a se stesso; stessa ‘uguaglianza’ che ha reso per lungo tempo la Romania una nazione schiava di malcostumi e soprusi, di corruzione routinaria e non scalfita. Nancă aggiunge un pizzico di comico - o forse solo di tristemente ironico? - al suo lavoro; lo stesso che ha alleggerito la pesante vita quotidiana di quegli anni. La Dacia (che già dal nome ricorda il territorio nel quale era locata la Romania durante l’Impero Romano) diventa quindi il simbolo stesso di una società ossidata nella sua povertà fisica e mentale.
Dan Mihalţianu (Bucarest, 1954), La Révolution dans le boudoir, 1999, 22’30”
La Rivoluzione che ha portato al crollo del Comunismo in Romania e all’uccisione della coppia di dittatori, Nicolae ed Elena, è stata prima di tutto (e a detto di tutti ormai) una vera e propria rivoluzione mediatica, ovvero vissuta, esperita grazie alla televisione. E questo è il soggetto alla base del video La Révolution dans le boudoir di Dan Mihalţianu, nel quale il gesto della toilette quotidiana, metodica, lenta, sempre uguale a se stessa e ripetuta nelle quattro mura domestiche è contrapposto al trambusto esterno della rivolta, che però raggiunge noi e il protagonista solamente attraverso le notizie concitate provenienti dalla radio occupata dai manifestanti. Tanti sono i sospetti sulla veridicità di questo movimento di massa diventato evento televisivo, descritto quasi come il primo “big brother” della storia. Rivoluzione del popolo o (celato) colpo di Stato? Questo non è ancora dato saperlo.
Anca Benera (Costanţa, 1977), Pacta sunt servanda, 2010, 3’37”
Problematica romena oggigiorno viva e scottante quella proposta nel lavoro di Anca Benera. Il breve video Pacta sunt servanda (Conventions must be respected) presenta in maniera diretta e ironica il conflitto centenario che si vive nella regione della Transilvania, conflitto con il popolo ungherese che va avanti da quando sono nate le due nazioni e che ancora rappresenta una ferita aperta all’interno di entrambe. La Transilvania, nucleo fondante delle terre daciche fino al 9° secolo d.C., passata poi in mano ungherese con la formazione dell’Impero Austro-Ungarico e infine, dopo la disintegrazione di quest’ultimo nel 1918, riassorbita nuovamente nel territorio romeno, rimane ancora terra di confine, nella quale l’integrazione tra i due popoli è molto lontana da avvenire. L’artista quindi, utilizzando il tipico approccio del teatro dadaista (e della sua poesia simultanea), rende evidente l’impossibilità di comunicazione tra le due etnie.
Daniel Gontz (Bucarest, 1978), URMA – A place for me, 2007, 4’39”
La mia Playlist si conclude con il videoclip per la canzone A place for me della band romena URMA (Bucarest). L’artista Daniel Gontz lo ha realizzato quale risposta/presa di posizione nei confronti dei gravi tumulti dell’estate del 2007 seguiti al referendum per la messa in stato di accusa dell’allora Presidente della Repubblica Traian Băsescu.2 Nel video è presente la chiara e netta disapprovazione del mondo artistico romeno a quei fatti e a quegli avvenimenti: sullo sfondo delle immagini si intravedono prima l’abat-jour firmata Vlad Nancă (con le immancabili forme pop-stilizzate della Dacia) e poi un’opera fotografica dello stesso Gontz quale replica /omaggio a un lavoro del gruppo subREAL (composto, nei primi anni Novanta, anche ma non solo proprio da Călin Dan e Dan Mihalţianu); il video si chiude con il gallerista Dan Popescu che distrugge brutalmente con un martello la Televisione di Stato.
** “Il Mărţişor rappresenta, nella tradizione romena, la festa dell’inizio della primavera e si festeggia il 1° marzo. Le persone regalano ai propri cari dei piccoli portafortuna formati da un fiore bianco e rosso realizzato con fili di cotone legati tra loro, chiamati appunto Mărţişor (piccolo marzo). La tradizione vuole che questo simbolo sia portato sugli indumenti per tutto il mese di marzo, vicino al cuore, così da evocare il sentimento dell’amore, della purezza e della vita. Trascorso il periodo previsto, il Mărţişor viene appeso su un albero da frutta auspicando così un copioso raccolto.” da: http://www.italiamoldavia.org/tradizioni.aspx
a cura di Eleonora Farina
11 marzo, 7.30 pm
video selezionati:
Călin Dan (Arad, 1955), Sample City, 2003, 11’32”
La mia Playlist inizia con il video Sample City di Călin Dan. Il protagonista, nonostante abbia una posizione china a causa del peso della porta che sorregge sulla schiena - come ci ricorda Herta Müller - mantiene sempre e comunque la fronte alta. Non sappiamo in realtà chi sia, ha un volto ma non un nome; e non ci è neanche dato sapere perché sta passeggiando in questa condizione. Ma la casa immaginaria che si porta sulle spalle attraversa con lui le strade di Bucarest, una città rasa al suolo più volte (prima dalla seconda guerra mondiale, poi dal terremoto del 1977 e infine da Nicolae Ceauşescu). Una capitale europea che conserva la sua identità e la sua anima grazie a questa stratificazione architettonica, e sociale. Forse è proprio la strada - a tratti non asfaltata - che si vede attraverso i buchi dell’autobus? Il video fa parte del progetto d’artista “Emotional Architecture”.
Vlad Nancă (Bucarest, 1979), Dacia – 30 Years of Social History, 2003, 4’44”
Ed ecco ripresa la città di Bucarest, con tutte le sue debolezze e bellezze, nel video Dacia – 30 Years of Social History del giovane Vlad Nancă. Una sequenza di immagini fotografiche, uno slide-show che, attraverso l’icona per eccellenza all’estero della Romania, la Dacia appunto, mostra l’immobilismo decennale insito nella dittatura comunista. E’ infatti proprio questa macchina l’oggetto che è rimasto sempre uguale a se stesso; stessa ‘uguaglianza’ che ha reso per lungo tempo la Romania una nazione schiava di malcostumi e soprusi, di corruzione routinaria e non scalfita. Nancă aggiunge un pizzico di comico - o forse solo di tristemente ironico? - al suo lavoro; lo stesso che ha alleggerito la pesante vita quotidiana di quegli anni. La Dacia (che già dal nome ricorda il territorio nel quale era locata la Romania durante l’Impero Romano) diventa quindi il simbolo stesso di una società ossidata nella sua povertà fisica e mentale.
Dan Mihalţianu (Bucarest, 1954), La Révolution dans le boudoir, 1999, 22’30”
La Rivoluzione che ha portato al crollo del Comunismo in Romania e all’uccisione della coppia di dittatori, Nicolae ed Elena, è stata prima di tutto (e a detto di tutti ormai) una vera e propria rivoluzione mediatica, ovvero vissuta, esperita grazie alla televisione. E questo è il soggetto alla base del video La Révolution dans le boudoir di Dan Mihalţianu, nel quale il gesto della toilette quotidiana, metodica, lenta, sempre uguale a se stessa e ripetuta nelle quattro mura domestiche è contrapposto al trambusto esterno della rivolta, che però raggiunge noi e il protagonista solamente attraverso le notizie concitate provenienti dalla radio occupata dai manifestanti. Tanti sono i sospetti sulla veridicità di questo movimento di massa diventato evento televisivo, descritto quasi come il primo “big brother” della storia. Rivoluzione del popolo o (celato) colpo di Stato? Questo non è ancora dato saperlo.
Anca Benera (Costanţa, 1977), Pacta sunt servanda, 2010, 3’37”
Problematica romena oggigiorno viva e scottante quella proposta nel lavoro di Anca Benera. Il breve video Pacta sunt servanda (Conventions must be respected) presenta in maniera diretta e ironica il conflitto centenario che si vive nella regione della Transilvania, conflitto con il popolo ungherese che va avanti da quando sono nate le due nazioni e che ancora rappresenta una ferita aperta all’interno di entrambe. La Transilvania, nucleo fondante delle terre daciche fino al 9° secolo d.C., passata poi in mano ungherese con la formazione dell’Impero Austro-Ungarico e infine, dopo la disintegrazione di quest’ultimo nel 1918, riassorbita nuovamente nel territorio romeno, rimane ancora terra di confine, nella quale l’integrazione tra i due popoli è molto lontana da avvenire. L’artista quindi, utilizzando il tipico approccio del teatro dadaista (e della sua poesia simultanea), rende evidente l’impossibilità di comunicazione tra le due etnie.
Daniel Gontz (Bucarest, 1978), URMA – A place for me, 2007, 4’39”
La mia Playlist si conclude con il videoclip per la canzone A place for me della band romena URMA (Bucarest). L’artista Daniel Gontz lo ha realizzato quale risposta/presa di posizione nei confronti dei gravi tumulti dell’estate del 2007 seguiti al referendum per la messa in stato di accusa dell’allora Presidente della Repubblica Traian Băsescu.2 Nel video è presente la chiara e netta disapprovazione del mondo artistico romeno a quei fatti e a quegli avvenimenti: sullo sfondo delle immagini si intravedono prima l’abat-jour firmata Vlad Nancă (con le immancabili forme pop-stilizzate della Dacia) e poi un’opera fotografica dello stesso Gontz quale replica /omaggio a un lavoro del gruppo subREAL (composto, nei primi anni Novanta, anche ma non solo proprio da Călin Dan e Dan Mihalţianu); il video si chiude con il gallerista Dan Popescu che distrugge brutalmente con un martello la Televisione di Stato.
** “Il Mărţişor rappresenta, nella tradizione romena, la festa dell’inizio della primavera e si festeggia il 1° marzo. Le persone regalano ai propri cari dei piccoli portafortuna formati da un fiore bianco e rosso realizzato con fili di cotone legati tra loro, chiamati appunto Mărţişor (piccolo marzo). La tradizione vuole che questo simbolo sia portato sugli indumenti per tutto il mese di marzo, vicino al cuore, così da evocare il sentimento dell’amore, della purezza e della vita. Trascorso il periodo previsto, il Mărţişor viene appeso su un albero da frutta auspicando così un copioso raccolto.” da: http://www.italiamoldavia.org/tradizioni.aspx
giovedì 18 febbraio 2010
Playlist a cura di Alessandro Sarri
Noëlle Pujol
Giovedì 18 febbraio 2010, ore 8.00
Il lavoro di Noëlle Pujol si situa costitutivamente nel terrain vague che separa, unendoli, il video e il cinema, il documento e la finzione e in ultima istanza, la stasi e il movimento. Questo moto ctonio e indefinitamente oscillatorio tra lo iato e l’abrasione "disciplinare", instaura in questo modo un regime autofagico che incrina dal di dentro ogni approccio teso ad ipostatizzare ciò che strutturalmente è destinato a rimanere ossimoricamente mutilato nell’inter-dizione. La strategia di Pujol crea, senza soluzione di continuità, un dispositivo d’accerchiamento fruitivo che, alla lettera, dispone la spettatorialità nel luogo senza luogo della propria resa ermeneutica. Si dispone così, diremmo a cose fatte, una specie d’amalgama incoativo ed imparziale che risucchia sotto di sé ogni prensilità visiva e narratologica, non rendendo manifesto altro che la sindrome sintomatologica atta a foderare il punto cieco di una sinestesia inappropriabile e radicalmente inesperita. La forma nei lavori di Pujol genera una forma senza mai giustificarsi in una forma, slittando impermanentemente da una funzione riproduttiva ad una funzione produttiva, da una visione già indicibile ad una visione oramai impensabile. [Alessandro Sarri]
Durante la serata saranno presentati i seguenti lavori:
Le Préparateur, 2006, 37 mn, video
Le Ver, 2006, 12 mn, video
http://noellepujol.free.fr/
Giovedì 18 febbraio 2010, ore 8.00
Il lavoro di Noëlle Pujol si situa costitutivamente nel terrain vague che separa, unendoli, il video e il cinema, il documento e la finzione e in ultima istanza, la stasi e il movimento. Questo moto ctonio e indefinitamente oscillatorio tra lo iato e l’abrasione "disciplinare", instaura in questo modo un regime autofagico che incrina dal di dentro ogni approccio teso ad ipostatizzare ciò che strutturalmente è destinato a rimanere ossimoricamente mutilato nell’inter-dizione. La strategia di Pujol crea, senza soluzione di continuità, un dispositivo d’accerchiamento fruitivo che, alla lettera, dispone la spettatorialità nel luogo senza luogo della propria resa ermeneutica. Si dispone così, diremmo a cose fatte, una specie d’amalgama incoativo ed imparziale che risucchia sotto di sé ogni prensilità visiva e narratologica, non rendendo manifesto altro che la sindrome sintomatologica atta a foderare il punto cieco di una sinestesia inappropriabile e radicalmente inesperita. La forma nei lavori di Pujol genera una forma senza mai giustificarsi in una forma, slittando impermanentemente da una funzione riproduttiva ad una funzione produttiva, da una visione già indicibile ad una visione oramai impensabile. [Alessandro Sarri]
Durante la serata saranno presentati i seguenti lavori:
Le Préparateur, 2006, 37 mn, video
Le Ver, 2006, 12 mn, video
http://noellepujol.free.fr/
Palylist a cura di Katia Baraldi
Persone, eventi, radici: testimonianze /People, events, roots: testimoniancies
Giovedì 4 febbraio 2010 ore 7.30
Questo mio progetto di playlist nasce dalla consapevolezza che stiamo vivendo in un periodo in cui la memoria storica dei grandi eventi si sta perdendo in coincidenza con la graduale e inevitabile scomparsa dei protagonisti che hanno vissuto e subito questa storia. Non è banale qui ricordare che la storia è creata, vissuta e subita dalle persone cosiddette comuni.
Uomini e donne con una loro storia da trasmettere, con identità a volte lacerate e frammentate, che hanno perso drammaticamente le loro radici di provenienza, costretti per vari motivi a lasciare il loro paese d’origine.
E’ la ricerca delle proprie radici il filo conduttore del progetto, una playlist che presenta i lavori di tre donne di età e origini diverse tra loro : Giulia Cilla, Mei Yuan Chan e Laure Keyrouz.
Solo donne, una casualità, ma non una coincidenza poiché da sempre le donne sono le prime a conservare e a trasmettere la storia della propria famiglia, del proprio paese.
Le tre artiste lavorano da anni sui concetti di memoria e identità, spinte da un forte dato biografico e consapevoli della responsabilità politica e sociale dell’arte.
La visione dei lavori sarà accompagnata da un carteggio tra me e le artiste che illustra alcune delle tematiche su cui esse lavorano.
Inoltre al termine della visione il pubblico sarà invitato a un talk con le artiste presenti.
Apre la sequenza "Entre dos aguas" di Giulia Cilla, un essay video in cui l’artista italo-uruguayana percorre a ritroso il viaggio del padre tra la Svizzera e l’Uruguay, intervistando gli amici che hanno condiviso con lui la lotta contro la dittatura che il paese sud-americano subì negli anni ’70. E’ un viaggio per dare voce ai protagonisti di un periodo storico drammatico, presentando uomini e donne comuni che hanno compiuto gesti eccezionali. Ma è anche un viaggio che partendo dalla ricerca delle origini del proprio padre vede la stessa artista ricostruire anche la propria identità.
Percorso che compie anche Mei Yuan Chan, artista di origine cinese con nazionalità taiwanese. Nei due video di Mei Yuan significativi sono il dato autobiografico e la ricerca quasi drammatica di illustrare la tragedia di un paese, la Cina, che ha avuto più di 2.500 persone costrette all’esilio per le proprie scelte politiche. Nel primo video "Casa e Radici" l’artista rientra in Cina per incontrare e conoscere la famiglia del padre, attuando quel viaggio di rientro che il padre rifugiato politico non poté mai compiere.
Nel secondo video "Casa e Radici 2008 Li Yuan" invece l’artista è riuscita ad intervistare un reduce dell’Esercito Nazionale Cinese, un uomo che come il padre dell’artista ha rinunciato a tutto per proseguire il sogno di modificare le sorti del proprio paese e che da questo in qualche modo è stato tradito.
Se per Mei Yuan e Giulia la perdita delle radici e della propria identità di provenienza è stata dettata da fatti storici che hanno coinvolto i loro padri , diverso è per Laure Keyrouz.
L’artista libanese ha vissuto in prima persona la Guerra, ma in questo caso i video che verranno mostrati, parte della trilogia Rinascita, concentrano l’attenzione sulla bellezza del suo paese, un paese diverso da quello mostrato dai mass media. La Keyrouz ricerca nella natura e nella cultura, inscindibili per lei, la propria identità di artista appartenente al mondo arabo e al Libano, in particolare, composto da più culture e identità. Questa riflessione sulla natura conduce l'artista a una rinascita e a creare un tratto di unione tra Occidente e Oriente.
Opere presentate:
Giulia Cilla, "Entre Dos Aguas", (2009), a road video essay , DV'Pal, Colour, 27''.
Mei Yun Chan, "Casa e Radici – 3/7 – Jiang Yu" (2007), artist video, 14’ 19".
Mei Yun Chan ,"Casa e Radici 2008 Li Yuan" (2008), artist video, 6’ 44".
Laure Keyrouz , trilogia "Rinascita":
"Hermit (l'eremita)" artist video, (2008), 3 minuti
"New birth (la rinascita)" artist video,(2008), 4 minuti
"Senza titolo", artist video, (2008), 2 min 30 secondi
Giovedì 4 febbraio 2010 ore 7.30
Questo mio progetto di playlist nasce dalla consapevolezza che stiamo vivendo in un periodo in cui la memoria storica dei grandi eventi si sta perdendo in coincidenza con la graduale e inevitabile scomparsa dei protagonisti che hanno vissuto e subito questa storia. Non è banale qui ricordare che la storia è creata, vissuta e subita dalle persone cosiddette comuni.
Uomini e donne con una loro storia da trasmettere, con identità a volte lacerate e frammentate, che hanno perso drammaticamente le loro radici di provenienza, costretti per vari motivi a lasciare il loro paese d’origine.
E’ la ricerca delle proprie radici il filo conduttore del progetto, una playlist che presenta i lavori di tre donne di età e origini diverse tra loro : Giulia Cilla, Mei Yuan Chan e Laure Keyrouz.
Solo donne, una casualità, ma non una coincidenza poiché da sempre le donne sono le prime a conservare e a trasmettere la storia della propria famiglia, del proprio paese.
Le tre artiste lavorano da anni sui concetti di memoria e identità, spinte da un forte dato biografico e consapevoli della responsabilità politica e sociale dell’arte.
La visione dei lavori sarà accompagnata da un carteggio tra me e le artiste che illustra alcune delle tematiche su cui esse lavorano.
Inoltre al termine della visione il pubblico sarà invitato a un talk con le artiste presenti.
Apre la sequenza "Entre dos aguas" di Giulia Cilla, un essay video in cui l’artista italo-uruguayana percorre a ritroso il viaggio del padre tra la Svizzera e l’Uruguay, intervistando gli amici che hanno condiviso con lui la lotta contro la dittatura che il paese sud-americano subì negli anni ’70. E’ un viaggio per dare voce ai protagonisti di un periodo storico drammatico, presentando uomini e donne comuni che hanno compiuto gesti eccezionali. Ma è anche un viaggio che partendo dalla ricerca delle origini del proprio padre vede la stessa artista ricostruire anche la propria identità.
Percorso che compie anche Mei Yuan Chan, artista di origine cinese con nazionalità taiwanese. Nei due video di Mei Yuan significativi sono il dato autobiografico e la ricerca quasi drammatica di illustrare la tragedia di un paese, la Cina, che ha avuto più di 2.500 persone costrette all’esilio per le proprie scelte politiche. Nel primo video "Casa e Radici" l’artista rientra in Cina per incontrare e conoscere la famiglia del padre, attuando quel viaggio di rientro che il padre rifugiato politico non poté mai compiere.
Nel secondo video "Casa e Radici 2008 Li Yuan" invece l’artista è riuscita ad intervistare un reduce dell’Esercito Nazionale Cinese, un uomo che come il padre dell’artista ha rinunciato a tutto per proseguire il sogno di modificare le sorti del proprio paese e che da questo in qualche modo è stato tradito.
Se per Mei Yuan e Giulia la perdita delle radici e della propria identità di provenienza è stata dettata da fatti storici che hanno coinvolto i loro padri , diverso è per Laure Keyrouz.
L’artista libanese ha vissuto in prima persona la Guerra, ma in questo caso i video che verranno mostrati, parte della trilogia Rinascita, concentrano l’attenzione sulla bellezza del suo paese, un paese diverso da quello mostrato dai mass media. La Keyrouz ricerca nella natura e nella cultura, inscindibili per lei, la propria identità di artista appartenente al mondo arabo e al Libano, in particolare, composto da più culture e identità. Questa riflessione sulla natura conduce l'artista a una rinascita e a creare un tratto di unione tra Occidente e Oriente.
Opere presentate:
Giulia Cilla, "Entre Dos Aguas", (2009), a road video essay , DV'Pal, Colour, 27''.
Mei Yun Chan, "Casa e Radici – 3/7 – Jiang Yu" (2007), artist video, 14’ 19".
Mei Yun Chan ,"Casa e Radici 2008 Li Yuan" (2008), artist video, 6’ 44".
Laure Keyrouz , trilogia "Rinascita":
"Hermit (l'eremita)" artist video, (2008), 3 minuti
"New birth (la rinascita)" artist video,(2008), 4 minuti
"Senza titolo", artist video, (2008), 2 min 30 secondi
giovedì 4 febbraio 2010
Playlist a cura di Domenico Quaranta
Mercoledì 27 gennaio ore 7.30
WHOLE EARTH CATALOGUE
Fondato dallo scrittore americano Stewart Brand nel 1968, Whole Earth Catalogue (WEC) è stato un catalogo di 'strumenti' rispettato come una bibbia dalla generazione della controcultura - vale a dire, da coloro che hanno plasmato il contesto tecno-culturale in cui ci troviamo a vivere. Pubblicato regolarmente fino al 1972 e irregolarmente fino al 1998, è stato 'ucciso' dal successo del World Wide Web, di cui persone come Steve Jobs (fondatore di Apple) e Kevin Kelly (fondatore di Wired) vedono in esso un anticipatore. WEC era concepito come 'uno strumento di valutazione e di accesso' che intendeva portare potere e conoscenza alle persone. Proponeva eccellenti recensioni di libri, mappe, riviste di settore, corsi e lezioni, insieme a oggetti di ogni tipo, dagli attrezzi da giardinaggio ai computer. Chiunque poteva contribuire.
Come i recensori del Whole Earth Catalogue, gli artisti di questa mostra contribuiscono regolarmente a una risorsa condivisa; come loro, amano i loro strumenti e, come loro, sono interessati a capire il mondo nel suo complesso. Ciò che è cambiato, nel frattempo - e in gran parte grazie alla generazione del World Earth Catalogue - è il mondo stesso. Gli artisti - e noi con loro - vivono in un mondo in cui i media non si limitano a riprodurre o a simulare, come dice Baudrillard, il reale: lo plasmano, gli danno forma, contribuiscono ad esso, a volte costruiscono mondi paralleli in cui possiamo trascorrere il nostro tempo. Riprogrammano il modo in cui viviamo, pensiamo, produciamo e fruiamo cultura, mangiamo, dormiamo, moriamo. E in cui pensiamo a dio.
Questi artisti usano semplici strumenti e trucchi di editing per commentare lo stato attuale dell'immagine, per parlare di se stessi, per modificare materiale trovato e arricchirne il significato; esplorano culture e pratiche per campionarle, remixarle e commentarle; abusano delle tecnologie che usano; esportano metafore, pratiche, estetiche e narrazioni in altre situazioni. Questo può suonare strano per chi non viva nella loro stessa fetta temporale - ma, per favore, non chiamateli formalisti. Non lavorano con un medium: lavorano in una realtà ampliata dai media. Sono realisti, nel solo modo in cui il termine realismo può avere un senso oggi.
Questo peculiare realismo può portare alcuni di loro a ritornare a quando tutto è iniziato. Come è noto, le droghe psichedeliche hanno avuto un ruolo importante agli inizi della cultura digitale. Without Sun, di Brody Condon, è un mesh-up di video reperibili in rete che hanno come protagonisti individui affetti da una sostanza psichedelica. Perché mettono in rete questo materiale? Non hanno, queste esperienze extracorporee, una relazione con altre forme oggi comuni di proiezione identitaria, come i videogiochi online? Alcuni artisti, come Cory Arcangel e Oliver Laric, sono interessati alle conseguenze concettuali delle tecnologie, al modo in cui riprendono e attualizzano alcune preoccupazione centrali della nostra cultura; altri, come il duo AIDS-3D, guardano a come le tecnologie stanno influenzando in maniera crescente la nostra vita spirituale. Vogliono, come dicono loro, 'rendere visibile la magia intangibile della tecnologia'. Non necessariamente attraverso di essa: il video di Constant Dullart, ad esempio, traduce l'animazione di caricamento di Youtube in una suggestiva, ipnotica scultura usando la luce e palle di styrofoam.
Questo interesse per la magia e la trascendenza è condiviso da diversi altri artisti in mostra, da Petra Cortright a Damon Zucconi, da Harm Van den Dorpel a Martin Kohout. Nelle loro mani, un filtro video può diventare il modo migliore per esplorare la consistenza del mondo esterno, e di noi stessi. Può diventare il modo migliore per conoscere meglio il mondo in cui viviamo, qualsiasi senso diamo a questa parola.
WHOLE EARTH CATALOGUE
Fondato dallo scrittore americano Stewart Brand nel 1968, Whole Earth Catalogue (WEC) è stato un catalogo di 'strumenti' rispettato come una bibbia dalla generazione della controcultura - vale a dire, da coloro che hanno plasmato il contesto tecno-culturale in cui ci troviamo a vivere. Pubblicato regolarmente fino al 1972 e irregolarmente fino al 1998, è stato 'ucciso' dal successo del World Wide Web, di cui persone come Steve Jobs (fondatore di Apple) e Kevin Kelly (fondatore di Wired) vedono in esso un anticipatore. WEC era concepito come 'uno strumento di valutazione e di accesso' che intendeva portare potere e conoscenza alle persone. Proponeva eccellenti recensioni di libri, mappe, riviste di settore, corsi e lezioni, insieme a oggetti di ogni tipo, dagli attrezzi da giardinaggio ai computer. Chiunque poteva contribuire.
Come i recensori del Whole Earth Catalogue, gli artisti di questa mostra contribuiscono regolarmente a una risorsa condivisa; come loro, amano i loro strumenti e, come loro, sono interessati a capire il mondo nel suo complesso. Ciò che è cambiato, nel frattempo - e in gran parte grazie alla generazione del World Earth Catalogue - è il mondo stesso. Gli artisti - e noi con loro - vivono in un mondo in cui i media non si limitano a riprodurre o a simulare, come dice Baudrillard, il reale: lo plasmano, gli danno forma, contribuiscono ad esso, a volte costruiscono mondi paralleli in cui possiamo trascorrere il nostro tempo. Riprogrammano il modo in cui viviamo, pensiamo, produciamo e fruiamo cultura, mangiamo, dormiamo, moriamo. E in cui pensiamo a dio.
Questi artisti usano semplici strumenti e trucchi di editing per commentare lo stato attuale dell'immagine, per parlare di se stessi, per modificare materiale trovato e arricchirne il significato; esplorano culture e pratiche per campionarle, remixarle e commentarle; abusano delle tecnologie che usano; esportano metafore, pratiche, estetiche e narrazioni in altre situazioni. Questo può suonare strano per chi non viva nella loro stessa fetta temporale - ma, per favore, non chiamateli formalisti. Non lavorano con un medium: lavorano in una realtà ampliata dai media. Sono realisti, nel solo modo in cui il termine realismo può avere un senso oggi.
Questo peculiare realismo può portare alcuni di loro a ritornare a quando tutto è iniziato. Come è noto, le droghe psichedeliche hanno avuto un ruolo importante agli inizi della cultura digitale. Without Sun, di Brody Condon, è un mesh-up di video reperibili in rete che hanno come protagonisti individui affetti da una sostanza psichedelica. Perché mettono in rete questo materiale? Non hanno, queste esperienze extracorporee, una relazione con altre forme oggi comuni di proiezione identitaria, come i videogiochi online? Alcuni artisti, come Cory Arcangel e Oliver Laric, sono interessati alle conseguenze concettuali delle tecnologie, al modo in cui riprendono e attualizzano alcune preoccupazione centrali della nostra cultura; altri, come il duo AIDS-3D, guardano a come le tecnologie stanno influenzando in maniera crescente la nostra vita spirituale. Vogliono, come dicono loro, 'rendere visibile la magia intangibile della tecnologia'. Non necessariamente attraverso di essa: il video di Constant Dullart, ad esempio, traduce l'animazione di caricamento di Youtube in una suggestiva, ipnotica scultura usando la luce e palle di styrofoam.
Questo interesse per la magia e la trascendenza è condiviso da diversi altri artisti in mostra, da Petra Cortright a Damon Zucconi, da Harm Van den Dorpel a Martin Kohout. Nelle loro mani, un filtro video può diventare il modo migliore per esplorare la consistenza del mondo esterno, e di noi stessi. Può diventare il modo migliore per conoscere meglio il mondo in cui viviamo, qualsiasi senso diamo a questa parola.
Playlist a cura di Federica Bueti
Giovedì 21 gennaio ore 7.30
At Least, You will see the space in between
Il progetto cerca di guardare all'immagine senza immagine, il vuoto che ha affascinato diversi artisti/intellettuali fin dagli esordi del cinema e che torna oggi di grande attualità in un discorso sulla cultura contemporanea, in cui l'immagine ha perso la propria capacità persuasiva lasciando il posto ad un assenza il cui significato non è lo svuotamento di significati, ma al contrario una pienezza, la somma di una moltitudine di frammenti e temporalità diverse, che invece di disturbare spinge a riflettere.
Lo schermo nero è così una sospensione della realtà per come la vediamo, non però per come ci è dato di immaginarla, di indagarla, di analizzarla e scoprirla nuovamente. Lo schermo nero è una pausa che apre la riflessione, temporalità privilegiata priva di corpo.
Spesso l'immagine nera dello schermo è accompagnata dalla narrazione verbale.
L'uso del linguaggio, spiega ancora una volta, il potenziale immaginativo dell'anti-oggetto, il linguaggio performa la realtà permettendo la definizione di un'immagine mentale articolata,in cui l'assenza determina una diversa consapevolezza dal reale.
L'immagine nera diventa lo spunto per parlare del tempo e lo spazio così come vengono vissuti e elaborati dalla realtà culturale contemporanea.
Il progetto infatti mostrerà alcuni lavori di artisti che hanno accettato la sfida dell'immagine vuota e hanno riflettuto su di essa e verrà seguita da una discussione più articolata che cercherà di percorrere la realtà contemporanea mettendo in luce un più adeguato e complesso concetto di temporalità.
Video di: Chris Marker, Tony Conrad, Hans Richter, Guy Debord, Michael Snow, James Benning, James Withney, Derek Jarman.
At Least, You will see the space in between
Il progetto cerca di guardare all'immagine senza immagine, il vuoto che ha affascinato diversi artisti/intellettuali fin dagli esordi del cinema e che torna oggi di grande attualità in un discorso sulla cultura contemporanea, in cui l'immagine ha perso la propria capacità persuasiva lasciando il posto ad un assenza il cui significato non è lo svuotamento di significati, ma al contrario una pienezza, la somma di una moltitudine di frammenti e temporalità diverse, che invece di disturbare spinge a riflettere.
Lo schermo nero è così una sospensione della realtà per come la vediamo, non però per come ci è dato di immaginarla, di indagarla, di analizzarla e scoprirla nuovamente. Lo schermo nero è una pausa che apre la riflessione, temporalità privilegiata priva di corpo.
Spesso l'immagine nera dello schermo è accompagnata dalla narrazione verbale.
L'uso del linguaggio, spiega ancora una volta, il potenziale immaginativo dell'anti-oggetto, il linguaggio performa la realtà permettendo la definizione di un'immagine mentale articolata,in cui l'assenza determina una diversa consapevolezza dal reale.
L'immagine nera diventa lo spunto per parlare del tempo e lo spazio così come vengono vissuti e elaborati dalla realtà culturale contemporanea.
Il progetto infatti mostrerà alcuni lavori di artisti che hanno accettato la sfida dell'immagine vuota e hanno riflettuto su di essa e verrà seguita da una discussione più articolata che cercherà di percorrere la realtà contemporanea mettendo in luce un più adeguato e complesso concetto di temporalità.
Video di: Chris Marker, Tony Conrad, Hans Richter, Guy Debord, Michael Snow, James Benning, James Withney, Derek Jarman.
Playlist a cura di Caterina Riva e Francesca Boenzi
Giovedì 17 dicembre ore 8.30
Con estratti da Kenneth Anger, Maya Deren, Guy Maddin, Derek Jarman, Harun Farocki, Clemens von Wedemeyer, Owen Land. Ganzfeld è una parola tedesca che significa ‘campo totale’ ma che si riferisce anche ad una prova di telepatia condotta negli anni ‘70 dal parapsicologo americano Charles Honorton. L’esperimento consisteva nell’isolare sensorialmente un soggetto apponendogli due mezze palline da ping pong sugli occhi e una cuffia che emetteva rumore di fondo nelle orecchie. In queste condizioni il soggetto doveva recepire informazioni o immagini inviate attraverso il pensiero da un altro soggetto che si trovava in un altro ambiente.
- Sono andata a vedere White Ribbon di Haneke e' molto bello. Tu l'hai visto?
- Non ancora, ma andrò a vederlo. Tra l’altro avevo pensato di mettere un estratto da un suo film nella nostra
playlist…
- Siamo davvero telepatiche
La costruzione di questa playlist è avvenuta come uno scambio di informazioni e immagini che ha assunto a tratti della connotazioni telepatiche. Nel momento in cui il soggetto A invia un video a B, B risponde in modo non dissimile da come avrebbe risposto A.
- Come sempre siamo sulla stessa lunghezza d'onda. Io amo molto Jarman e il seguito che ti volevo proporre era appunto Maya Deren... ora penso al seguito.
Lo scambio dei video ha determinato un sistema di associazioni che sono andate a toccare alcuni dei riferimenti estetici, intellettuali, culturali, politici che condividiamo. Queste associazioni sono però difficilmente spiegabili. Il processo è intuitivo e a volte l’intuizione vale più di qualsiasi sistema complesso di
relazioni basato sulla conoscenza sensibile, sul ragionamento e soprattutto sulla coerenza interna. Il risultato è, a volte, sorprendentemente coerente e altre volte disarmante per la sua incoerenza. Tuttavia riteniamo questa dialettica interna scandita da contraddizioni uno spunto interessante per mantenere sempre viva la discussione, il dialogo e lo scambio.
Con estratti da Kenneth Anger, Maya Deren, Guy Maddin, Derek Jarman, Harun Farocki, Clemens von Wedemeyer, Owen Land. Ganzfeld è una parola tedesca che significa ‘campo totale’ ma che si riferisce anche ad una prova di telepatia condotta negli anni ‘70 dal parapsicologo americano Charles Honorton. L’esperimento consisteva nell’isolare sensorialmente un soggetto apponendogli due mezze palline da ping pong sugli occhi e una cuffia che emetteva rumore di fondo nelle orecchie. In queste condizioni il soggetto doveva recepire informazioni o immagini inviate attraverso il pensiero da un altro soggetto che si trovava in un altro ambiente.
- Sono andata a vedere White Ribbon di Haneke e' molto bello. Tu l'hai visto?
- Non ancora, ma andrò a vederlo. Tra l’altro avevo pensato di mettere un estratto da un suo film nella nostra
playlist…
- Siamo davvero telepatiche
La costruzione di questa playlist è avvenuta come uno scambio di informazioni e immagini che ha assunto a tratti della connotazioni telepatiche. Nel momento in cui il soggetto A invia un video a B, B risponde in modo non dissimile da come avrebbe risposto A.
- Come sempre siamo sulla stessa lunghezza d'onda. Io amo molto Jarman e il seguito che ti volevo proporre era appunto Maya Deren... ora penso al seguito.
Lo scambio dei video ha determinato un sistema di associazioni che sono andate a toccare alcuni dei riferimenti estetici, intellettuali, culturali, politici che condividiamo. Queste associazioni sono però difficilmente spiegabili. Il processo è intuitivo e a volte l’intuizione vale più di qualsiasi sistema complesso di
relazioni basato sulla conoscenza sensibile, sul ragionamento e soprattutto sulla coerenza interna. Il risultato è, a volte, sorprendentemente coerente e altre volte disarmante per la sua incoerenza. Tuttavia riteniamo questa dialettica interna scandita da contraddizioni uno spunto interessante per mantenere sempre viva la discussione, il dialogo e lo scambio.
Playlist a cura di Saretto Cincinelli
Venerdì 11 dicembre ore 7.30
La Playlist si alimenta dalle tre successive edizioni de L’evento immobile curate con Cristiana Collu (Contrattempi, 2007; Incantamenti, 2008; Lo sguardo ostinato, 2009) le prime due promosse dal Man di Nuoro e dal festival L’Isola delle storie di Gavoi e la terza coprodotta dal Man e da Casa Masaccio, San Giovanni Valdarno. Configurandosi in larga parte come una video-esposizione, l’appuntamento annuale de L’evento immobile scava dentro al mutevole territorio di confine, che mantiene in stretta relazione cinema video e arti plastiche, cercando di circoscrivere e declinare topoi e figure, la cui crucialità è testimoniata dalla persistenza con cui ritornano a imporsi all’attenzione in stagioni diverse e significative della ricerca contemporanea e il cui remoto baricentro pare riconducibile all’oscillazione fra fisso e animato che, sia pur secondo una linea carsica e segnata da profonde modificazioni, conduce dalle pionieristiche ricerche di pre-cinema alla nascita del video sino alle ricerche contemporanee.
Proponendo opere che, sulla scia di Ruggero Pierantoni, potremmo definire in bilico tra “forma fluens” e “fluxus formae”, L’evento immobile cerca di approfondire l’idea di un incantamento della visione che si realizza tramite la messa in primo piano di una dimensione in meno dell’immagine: una dimensione che, venendo a mancare, finisce per ripercuotersi après coup sulle aspettative dello spettatore e sull’espressività di opere che si sottraggono volontariamente all’eloquenza e alla prevedibilità spettacolare di gran parte dell’attuale linguaggio visivo, opere che, paradossalmente, guadagnano -come in un gioco in cui chi vince perde- dall’economia che le caratterizza, un’economia che finisce per restituire loro un surplus di presenza.
Nel contesto delle tre edizioni sono state proposte oltre ad opere plastiche di: Cristiane Löhr, Carlo Guaita, Andrea Santarlasci, Ane Mette Hol, Cristiana Palandri opere video e cinematografiche di: Etienne-Jules Marey, Walerian Borowczyk, Jorge Molder, Mark Lewis, Ange Leccia, Daniela De Lorenzo, Yael Davids, Adrian Paci, Carlos Garaicoa, Sejla Kameric, Paolo Meoni, Cyprien Gaillard, Guido van der Werve, Sophie Whettnall, Massimo Barzagli/Luisa Cortesi, Luca Rento, Kan Xuan, Emanuele Becheri, Carl Michael Hausswolf/Tomas Nordanstad, Farid Rahimi, Sabrina Mezzaqui, Hans Op De Beck, Rossella Biscotti, Ursula Mayer, Patrick Jolley/Rebecca Trost/Inger Lise Hansen.
L’attuale Playlist, ancora in corso di definizione, riproporrà opere già presentate nel contesto delle varie edizioni de L’evento Immobile, l’unica eccezione è rappresentata da Mizuno Katsunori un giovane autore giapponese (1982), proposto per la prima volta in Italia nella mostra Il dio delle piccole cose curata da Pier Luigi Tazzi, la cui opera avrebbe potuto figurare nel contesto di una delle edizioni de L’evento immobile.
Fra le opere: Etienne-Jules Marey: materiali d’archivio; Walerian Borowcyzyk: Renaissance, 1963; Daniela De Lorenzo: Dammi il tempo!, 2007 (frammenti dalla videoinstallazione multicanale); Paolo Meoni; Unbend, 2006; Kan Xuan: In focus out focus, 2007; Emanuele Becheri: Temporale, 2009; Mizuno Katsunori: Monotone, 2005 …
La Playlist si alimenta dalle tre successive edizioni de L’evento immobile curate con Cristiana Collu (Contrattempi, 2007; Incantamenti, 2008; Lo sguardo ostinato, 2009) le prime due promosse dal Man di Nuoro e dal festival L’Isola delle storie di Gavoi e la terza coprodotta dal Man e da Casa Masaccio, San Giovanni Valdarno. Configurandosi in larga parte come una video-esposizione, l’appuntamento annuale de L’evento immobile scava dentro al mutevole territorio di confine, che mantiene in stretta relazione cinema video e arti plastiche, cercando di circoscrivere e declinare topoi e figure, la cui crucialità è testimoniata dalla persistenza con cui ritornano a imporsi all’attenzione in stagioni diverse e significative della ricerca contemporanea e il cui remoto baricentro pare riconducibile all’oscillazione fra fisso e animato che, sia pur secondo una linea carsica e segnata da profonde modificazioni, conduce dalle pionieristiche ricerche di pre-cinema alla nascita del video sino alle ricerche contemporanee.
Proponendo opere che, sulla scia di Ruggero Pierantoni, potremmo definire in bilico tra “forma fluens” e “fluxus formae”, L’evento immobile cerca di approfondire l’idea di un incantamento della visione che si realizza tramite la messa in primo piano di una dimensione in meno dell’immagine: una dimensione che, venendo a mancare, finisce per ripercuotersi après coup sulle aspettative dello spettatore e sull’espressività di opere che si sottraggono volontariamente all’eloquenza e alla prevedibilità spettacolare di gran parte dell’attuale linguaggio visivo, opere che, paradossalmente, guadagnano -come in un gioco in cui chi vince perde- dall’economia che le caratterizza, un’economia che finisce per restituire loro un surplus di presenza.
Nel contesto delle tre edizioni sono state proposte oltre ad opere plastiche di: Cristiane Löhr, Carlo Guaita, Andrea Santarlasci, Ane Mette Hol, Cristiana Palandri opere video e cinematografiche di: Etienne-Jules Marey, Walerian Borowczyk, Jorge Molder, Mark Lewis, Ange Leccia, Daniela De Lorenzo, Yael Davids, Adrian Paci, Carlos Garaicoa, Sejla Kameric, Paolo Meoni, Cyprien Gaillard, Guido van der Werve, Sophie Whettnall, Massimo Barzagli/Luisa Cortesi, Luca Rento, Kan Xuan, Emanuele Becheri, Carl Michael Hausswolf/Tomas Nordanstad, Farid Rahimi, Sabrina Mezzaqui, Hans Op De Beck, Rossella Biscotti, Ursula Mayer, Patrick Jolley/Rebecca Trost/Inger Lise Hansen.
L’attuale Playlist, ancora in corso di definizione, riproporrà opere già presentate nel contesto delle varie edizioni de L’evento Immobile, l’unica eccezione è rappresentata da Mizuno Katsunori un giovane autore giapponese (1982), proposto per la prima volta in Italia nella mostra Il dio delle piccole cose curata da Pier Luigi Tazzi, la cui opera avrebbe potuto figurare nel contesto di una delle edizioni de L’evento immobile.
Fra le opere: Etienne-Jules Marey: materiali d’archivio; Walerian Borowcyzyk: Renaissance, 1963; Daniela De Lorenzo: Dammi il tempo!, 2007 (frammenti dalla videoinstallazione multicanale); Paolo Meoni; Unbend, 2006; Kan Xuan: In focus out focus, 2007; Emanuele Becheri: Temporale, 2009; Mizuno Katsunori: Monotone, 2005 …
Playlist a cura di Francesca Referza
Giovedì 10 dicembre ore 7.30
Fonti involontarie
Le fonti involontarie, nella ricerca storiografica, sono costituite da ciò che il passato ci ha lasciato non intenzionalmente. Sono paragonabili ad indizi che trasmettono o suggeriscono informazioni, magari incomplete e frammentarie, come sono appunto gli indizi. Le fonti involontarie, o "avanzi", sono dunque in grado di fornire solo testimonianze indiziarie ed incomplete.
Il paradigma Indiziario (2009) di Meris Angioletti, Shooting on the Dam (2005) di Rossella Biscotti, Untutored Eye (2005) di Armando Lulaj, Piazza Plebiscito (2000- 2007) di Giulia Piscitelli sono in modo diverso fonti involontarie. Parlano di storie contemporanee e di città diverse (Milano, Amsterdam, Tirana e Napoli), ma lo fanno usando degli "avanzi", degli sguardi parziali, deformati, poco decodificabili, volutamente ambigui o addirittura fuori fuoco. Verità e finzione si mescolano e, conseguentemente, pongono lo spettatore in uno stato di tensione. L’obiettivo, dall’altra parte, non è arrivare a capire quale sia, dato un certo evento, un certo luogo, una certa atmosfera, la verità (che tra l’altro non esiste in assoluto, tantomeno applicata alla storia), quanto, piuttosto, generare dubbi e, conseguentemente, domande. Se poi le risposte non si troveranno, poco importa.
Quando mi è stato chiesto di realizzare un video su Milano ho deciso di rivolgere la mia attenzione ai sotterranei della città. È attorno a quest’idea del non vedere, dell’impossibilità di vedere che ruota questo lavoro. Sono questi luoghi bui e non agibili, in cui proiettiamo delle storie. Nella fase di ricerca delle testimonianze ho scelto, infatti, di raccogliere i racconti di persone che in realtà non avevano mai visto nitidamente questi luoghi. Nessuna di queste informazioni era verificabile dall’osservatore. Quello che fa il Paradigma Indiziario è di risalire a ciò che non possiamo esperire direttamente, attraverso una serie di tracce secondarie e questa metodologia è applicabile non solo alla storia, ma anche alla psicologia. Per questo motivo la voce iniziale è quello di una psicologa, è un’induzione non direttamente ipnotica, ma un rilassamento guidato, che può attivare la parte destra del cervello e facilitare il contatto una serie di immagini mentali. In questo senso sintomi psicologici e tracce storiche sono paragonabili. Questa voce, inoltre, nel suo essere così "cinematografica" è un esperimento sul coinvolgimento dello spettatore, un modo di attivare una visualizzazione attiva anziché passiva da parte dello spettatore. Come indizi o tracce sono sviluppate anche le voci che sono disseminate nel video. Cercando le testimonianze, ho iniziato a lavorare nei dintorni di Gorla, perché è una zona in cui ci sono tuttora molti rifugi sotterranei, per cui c’è una realtà sotterranea abbastanza definita. Da lì è partito questo meccanismo per cui mi venivano di volta in volta indicate altre persone che potevano propormi altre testimonianze. Ogni voce è diventata così la traccia da seguire per la testimonianza successiva. Questo modo di procedere assomiglia molto anche all’azione del detective, che, secondo lo stesso Carlo Ginzburg, diventa il terzo personaggio coinvolto nel paradigma indiziario: lo storico, lo psicologo e il detective. (Meris Angioletti)
Shooting on the Dam e’ un video dove finzione e realtà si intersecano. Infatti la maggior parte di "teste parlanti" non hanno vissuto personalmente l’accaduto, la maggior parte di loro non era ancora nata nel 1945, ma l’hanno studiato attraverso una serie di incontri che ho organizzato sull’argomento. Nel video li ho intervistati mettendo su una specie di servizio televisivo e loro rispondevano come fossero dei testimoni oculari. La compresenza di veri testimoni oculari nello stesso video, che tuttavia non ricordano o si perdono nelle descrizioni di dettagli non rilevanti, crea uno slittamento temporale e mette in dubbio anche la veridicità dell’evento. E’ un fatto avvenuto ora? E’ un evento passato o finzione? (Rossella Biscotti)
In tutti i cimiteri dell’Albania c’è una spaventosa crescita della mortalità a partire dal 1997. Nella maggioranza dei casi sono ragazzi giovanissimi. Il ‘97 è stato un anno molto difficile per l’Albania, ma molto proficuo per la corruzione e per i tanti Arturo Ui. Per i politici interni ed esterni, per il commercio delle armi, la prostituzione e per la droga. Non volevo farne un documentario, né un film dove si incriminavano tutti, anche se dichiaro che è una grande sfida che da tanti anni mi stuzzica. Fare un film sull’anno nero: lo potrei intitolare: 1997, Fuga dall’Albania! Tanti registi giovani ci hanno provato a presentare qualcosa sulle vicende del 1997, ma sembra che tutte le porte si chiudono quando inizi a cercare fondi e del materiale su quell’anno. Tutto è stato sequestrato! Ai registi si dice. - "Andate a trovare l’arte da qualche altra parte, noi non finanziamo film politici, ma film artistici. L’arte non ha niente a che fare con la politica" Questo è un grande non senso.. Chi dice queste parole è gente che fino a ieri interpretava nel teatro comunale "I Persiani" di Eschilo e "L’irresistibile ascesa di Arturo Ui" di Brecht. I Persiani, è la prima tragedia che documenta una guerra e la seconda è un’opera che mette a nudo l’ascesa dei vari Hitler nella storia. (...) In Albania si dice che la legge è qualcosa di molto sensibile, come la milza; non la si può prendere a pugni, altrimenti è la morte! Con Untutored Eye, volevo mettere in scena la struttura della sceneggiatura di cui parlavo prima. Utilizzando questo concetto di occhio incolto e senza legge, come l’occhio di un neonato che con l’atto di vedere il mondo per la prima volta lo violenta; l’occhio incolto dell’occidente invece ne violenta in senso stretto culture e paesi interi, calpestando ogni cosa che non attiri il piano stabilito dal sistema. É come il detto: "La sporcizia va trattata con tutto il rispetto, ma le cose pulite si possono tranquillamente sporcare". Volevo documentare in un certo senso tutta questa violenza che ci si è rovesciata davanti con una potenza micidiale. Così presi una piccola telecamera e la misi dentro un pallone da basket americano del NBA. Poi rovesciai il pallone per tutte le stradine del cimitero. Le immagini vedono, toccano, documentano. Appaiono dei fantasmi reali e immaginari. Si formano dei pixel che formano delle conseguenze, finché alla fine la telecamera, subendo un colpo, si rompe. Non risponde più a nessun comando e genera immagini a suo piacere. La telecamera impazzì! (Armando Lulaj)
Pieno inverno, di notte, un giro di videocamera riprende la piazza vuota nel suo splendore di facciata: il palazzo del re, la chiesa del signore, il palazzo della prefettura, il palazzo dell’esercito; un luogo dove tutto è sotto il controllo di una telecamera, ma non è quella dell’artista ma delle forze dell’ordine. Un motorino in movimento, l’ordine è al rovescio, l’occhio mette a fuoco una macchina ferma, le quattro luci lampeggiano, l’occhio si avvicina all’abitacolo dove c’è una persona, fuori e sulla portiera una macchia rossa: vino, pittura? Performance, vita? (Giulia Piscitelli)
Fonti involontarie
Le fonti involontarie, nella ricerca storiografica, sono costituite da ciò che il passato ci ha lasciato non intenzionalmente. Sono paragonabili ad indizi che trasmettono o suggeriscono informazioni, magari incomplete e frammentarie, come sono appunto gli indizi. Le fonti involontarie, o "avanzi", sono dunque in grado di fornire solo testimonianze indiziarie ed incomplete.
Il paradigma Indiziario (2009) di Meris Angioletti, Shooting on the Dam (2005) di Rossella Biscotti, Untutored Eye (2005) di Armando Lulaj, Piazza Plebiscito (2000- 2007) di Giulia Piscitelli sono in modo diverso fonti involontarie. Parlano di storie contemporanee e di città diverse (Milano, Amsterdam, Tirana e Napoli), ma lo fanno usando degli "avanzi", degli sguardi parziali, deformati, poco decodificabili, volutamente ambigui o addirittura fuori fuoco. Verità e finzione si mescolano e, conseguentemente, pongono lo spettatore in uno stato di tensione. L’obiettivo, dall’altra parte, non è arrivare a capire quale sia, dato un certo evento, un certo luogo, una certa atmosfera, la verità (che tra l’altro non esiste in assoluto, tantomeno applicata alla storia), quanto, piuttosto, generare dubbi e, conseguentemente, domande. Se poi le risposte non si troveranno, poco importa.
Quando mi è stato chiesto di realizzare un video su Milano ho deciso di rivolgere la mia attenzione ai sotterranei della città. È attorno a quest’idea del non vedere, dell’impossibilità di vedere che ruota questo lavoro. Sono questi luoghi bui e non agibili, in cui proiettiamo delle storie. Nella fase di ricerca delle testimonianze ho scelto, infatti, di raccogliere i racconti di persone che in realtà non avevano mai visto nitidamente questi luoghi. Nessuna di queste informazioni era verificabile dall’osservatore. Quello che fa il Paradigma Indiziario è di risalire a ciò che non possiamo esperire direttamente, attraverso una serie di tracce secondarie e questa metodologia è applicabile non solo alla storia, ma anche alla psicologia. Per questo motivo la voce iniziale è quello di una psicologa, è un’induzione non direttamente ipnotica, ma un rilassamento guidato, che può attivare la parte destra del cervello e facilitare il contatto una serie di immagini mentali. In questo senso sintomi psicologici e tracce storiche sono paragonabili. Questa voce, inoltre, nel suo essere così "cinematografica" è un esperimento sul coinvolgimento dello spettatore, un modo di attivare una visualizzazione attiva anziché passiva da parte dello spettatore. Come indizi o tracce sono sviluppate anche le voci che sono disseminate nel video. Cercando le testimonianze, ho iniziato a lavorare nei dintorni di Gorla, perché è una zona in cui ci sono tuttora molti rifugi sotterranei, per cui c’è una realtà sotterranea abbastanza definita. Da lì è partito questo meccanismo per cui mi venivano di volta in volta indicate altre persone che potevano propormi altre testimonianze. Ogni voce è diventata così la traccia da seguire per la testimonianza successiva. Questo modo di procedere assomiglia molto anche all’azione del detective, che, secondo lo stesso Carlo Ginzburg, diventa il terzo personaggio coinvolto nel paradigma indiziario: lo storico, lo psicologo e il detective. (Meris Angioletti)
Shooting on the Dam e’ un video dove finzione e realtà si intersecano. Infatti la maggior parte di "teste parlanti" non hanno vissuto personalmente l’accaduto, la maggior parte di loro non era ancora nata nel 1945, ma l’hanno studiato attraverso una serie di incontri che ho organizzato sull’argomento. Nel video li ho intervistati mettendo su una specie di servizio televisivo e loro rispondevano come fossero dei testimoni oculari. La compresenza di veri testimoni oculari nello stesso video, che tuttavia non ricordano o si perdono nelle descrizioni di dettagli non rilevanti, crea uno slittamento temporale e mette in dubbio anche la veridicità dell’evento. E’ un fatto avvenuto ora? E’ un evento passato o finzione? (Rossella Biscotti)
In tutti i cimiteri dell’Albania c’è una spaventosa crescita della mortalità a partire dal 1997. Nella maggioranza dei casi sono ragazzi giovanissimi. Il ‘97 è stato un anno molto difficile per l’Albania, ma molto proficuo per la corruzione e per i tanti Arturo Ui. Per i politici interni ed esterni, per il commercio delle armi, la prostituzione e per la droga. Non volevo farne un documentario, né un film dove si incriminavano tutti, anche se dichiaro che è una grande sfida che da tanti anni mi stuzzica. Fare un film sull’anno nero: lo potrei intitolare: 1997, Fuga dall’Albania! Tanti registi giovani ci hanno provato a presentare qualcosa sulle vicende del 1997, ma sembra che tutte le porte si chiudono quando inizi a cercare fondi e del materiale su quell’anno. Tutto è stato sequestrato! Ai registi si dice. - "Andate a trovare l’arte da qualche altra parte, noi non finanziamo film politici, ma film artistici. L’arte non ha niente a che fare con la politica" Questo è un grande non senso.. Chi dice queste parole è gente che fino a ieri interpretava nel teatro comunale "I Persiani" di Eschilo e "L’irresistibile ascesa di Arturo Ui" di Brecht. I Persiani, è la prima tragedia che documenta una guerra e la seconda è un’opera che mette a nudo l’ascesa dei vari Hitler nella storia. (...) In Albania si dice che la legge è qualcosa di molto sensibile, come la milza; non la si può prendere a pugni, altrimenti è la morte! Con Untutored Eye, volevo mettere in scena la struttura della sceneggiatura di cui parlavo prima. Utilizzando questo concetto di occhio incolto e senza legge, come l’occhio di un neonato che con l’atto di vedere il mondo per la prima volta lo violenta; l’occhio incolto dell’occidente invece ne violenta in senso stretto culture e paesi interi, calpestando ogni cosa che non attiri il piano stabilito dal sistema. É come il detto: "La sporcizia va trattata con tutto il rispetto, ma le cose pulite si possono tranquillamente sporcare". Volevo documentare in un certo senso tutta questa violenza che ci si è rovesciata davanti con una potenza micidiale. Così presi una piccola telecamera e la misi dentro un pallone da basket americano del NBA. Poi rovesciai il pallone per tutte le stradine del cimitero. Le immagini vedono, toccano, documentano. Appaiono dei fantasmi reali e immaginari. Si formano dei pixel che formano delle conseguenze, finché alla fine la telecamera, subendo un colpo, si rompe. Non risponde più a nessun comando e genera immagini a suo piacere. La telecamera impazzì! (Armando Lulaj)
Pieno inverno, di notte, un giro di videocamera riprende la piazza vuota nel suo splendore di facciata: il palazzo del re, la chiesa del signore, il palazzo della prefettura, il palazzo dell’esercito; un luogo dove tutto è sotto il controllo di una telecamera, ma non è quella dell’artista ma delle forze dell’ordine. Un motorino in movimento, l’ordine è al rovescio, l’occhio mette a fuoco una macchina ferma, le quattro luci lampeggiano, l’occhio si avvicina all’abitacolo dove c’è una persona, fuori e sulla portiera una macchia rossa: vino, pittura? Performance, vita? (Giulia Piscitelli)
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